Entrevista con Warpaint
Tras llegar para presentarse en vivo en la Ciudad de México luego de cuatro años de ausencia, Warpaint regresó con dos sold out shows en el Foro Indie Rocks! como parte de su gira por el estreno de su cuarto material de larga duración, titulado ‘Radiate Like This’ (2022). Haberlas incluido como una de las entrevistas de nuestra revista número nueve de agosto no nos impidió tomar la oportunidad de charlar de nuevo con ellas; esta vez con Jenny Lee Lindberg (bajo, voz) y Stella Mozgawa (batería), uno de los dúos rítmicos más creativos y emocionantes de los últimos años en la música popular.
La historia de la agrupación se remonta al Día de San Valentín de 2004, fecha en que se formó la banda. A partir de ese entonces, pasaron los siguientes años tocando en la escena indie de Los Angeles y trabajando en las canciones que llegarían a ser parte de ‘Exquisite Corpse’ (2007), su EP debut. Para octubre de 2010, el estreno de ‘The Fool’ marcaría el comienzo de giras mundiales, críticas alabando la simbiosis musical de las artistas y, por supuesto, la incorporación de Stella en la batería, definiendo así la alineación que han mantenido hasta el presente, con Emily Kokal y Theresa Wayman en las guitarras y voces.
Oscilando entre la meditación y el baile, la música de Warpaint propone un enfoque minimalista y una sensibilidad melódica en las guitarras, una sección rítmica hipnótica que juega con los contratiempos y con recursos electrónicos, y una interrelación entre las voces de sus integrantes, que se completan y direccionan la amplia gama de emociones que manejan dentro de sus temas. Estas características han hecho que se las catalogue bajo géneros como el indie rock, el dream pop, el rock psicodélico y hasta con algunos elementos del hip-hop, indicando su gran versatilidad y tecnicidad para componer. Sin embargo, su increíble destreza no opaca a ninguna de ellas, ya que su trabajo pone por encima la musicalidad colectiva sobre los destellos individuales.
Para esta ocasión, platicamos con ellas acerca del arte en sus portadas de discos, de su interés por ritmos hipnóticos dentro y fuera del hip-hop, de su proceso creativo para dar con la sección rítmica de una canción, de cómo abordan sus shows en vivo y más.
Me gustaría comenzar preguntándoles acerca del cambio en su sonido como banda. Desde el lanzamiento de su EP debut, se han alejado paulatinamente del rock para adentrarse en otros estilos musicales. Además de querer explorar diferentes sonoridades, ¿hay alguna otra razón por la cual dieron con esta evolución musical?
J: Siento que ha sido parte de crecer, o de evolucionar como músicas y como banda, y querer probar y explorar otras cosas. No siento que hayamos cambiado totalmente nuestro estilo, creo que más bien lo hemos hecho evolucionar; hasta cierto punto, aún se siente como rock.
SM: Sí, seguimos tocando instrumentos tradicionales del rock. De alguna forma, sigue siendo el mismo formato pero menos aburrido por los diferentes gustos, tanto individuales como colectivos, que tenemos como banda.
Tengo entendido que el hip hop ha sido una de sus influencias a lo largo del tiempo que llevan tocando juntas. ¿Pueden platicarme acerca de su gusto por este género y cómo se traslada a lo que hacen?
SM: Creo que, en general, nos atraen ritmos que son hipnóticos. Sé que a Jen y a mí nos gusta tocar la misma cosa añadiendo cambios mínimos, y siento que esa es una característica general del hip hop. Eso es lo que nos atrae: los compases y el ritmo, esos aspectos de una canción o un álbum pueden tener mucha fuerza. Como el techno, por ejemplo, donde si tienes un gran beat electrónico no tienes que desviarte de él un millón de veces durante la canción; puedes crear emoción de otras maneras: tonalmente, armónicamente, melódicamente… Creo que eso es lo que nos cautiva, es una característica del trip hop, de la música R&B, del Motown, de bandas como The Cure, New Order y Joy Division. No es solamente el hip hop, sólo que el hip hop es uno de esos géneros que tienen una cualidad rítmica hipnótica.
Y bueno, como les decía antes, creo que ustedes son una de las secciones rítmicas más únicas de la música popular actual. Especialmente, ‘The Fool’ tiene beats asombrosos que se conectan muy bien con el dinamismo de las líneas de bajo, como en el primer break de “Warpaint”. ¿Cómo trabajan juntas al momento de crear la sección rítmica de una canción?
SM: No lo pensamos.
J: No lo pensamos, lo sentimos y nos divertimos. Honestamente, podemos estar las dos en un cuarto y escribir tres canciones en veinte minutos. Tenemos una relación muy intuitiva y nos gusta divertirnos, definitivamente el estrés no es un factor que juegue un papel al momento de componer juntas.
SM: O incluso hablar al respecto, como de: “Hey, probemos hacer algo así como en esta canción, o deja ponerte esta canción de este artista”. Creo que Jen y yo, especialmente, tenemos nuestro propio estilo, en términos de lo que sucede cuando las dos comenzamos a tocar música juntas. A pesar de que algunos de nuestros gustos son similares y otros diferentes, lo divertido de tocar juntas es que las dos sabemos qué es lo que nos mueve a ambas. Yo trato de hacer algo que sea emocionante para ella y ella hace lo mismo conmigo, es algo recíproco. No es como si estuvieras en tu propia isla, más bien escuchas lo que la otra persona está haciendo y tratas de tocar con base a eso, para que se sienta cohesivo.
Recientemente grabaron su sesión en vivo de ‘From The Basement’, platíquenme un poco acerca del proceso para realizarla y la experiencia general que tuvieron.
J: Fue realmente especial estar en ese cuarto, es precioso. Creo que todas estábamos un poco en shock porque había como dieciocho o diecinueve camarógrafos; fue una verdadera producción y no me lo esperaba. Trabajar con NigelGodrich (creador de las sesiones) fue maravilloso, fue muy acogedor y reconfortante con nosotras, siempre asegurándose de que nos sintiéramos seguras y no nerviosas, para que pudiéramos disfrutar y divertirnos, a pesar de que había dieciocho cámaras apuntándonos [ríe].
SM: Está filmado de una forma muy bella, siento que hoy en día ya no hay tantos de esos programas. Cuando era niña, al menos en Australia, recuerdo que siempre pasaban shows de televisión con música en vivo; ahora ya están en línea, como los ‘Tiny Desk’ de NPR y el regreso de ‘From The Basement’, es genial. Como fanática de la música, me encanta que haya tantos nuevos formatos de música en vivo, donde realmente puedes ver a una banda tocar y observar las partes que están tocando y cantando. Cuando vas a ver una banda en vivo es increíble y por lo general suenan muy bien, pero no siempre puedes apreciar cómo están tocando. Este tipo de sesiones son una oportunidad para que los fans vean a detalle a su banda favorita tocar.
Tomando en cuenta este aspecto fundamental de tocar en vivo, ¿cómo abordan sus tocadas en contraste con su material de estudio?
J: Algunas canciones son muy fáciles de trasponer en vivo, y suenan completas sin la necesidad de utilizar muchos de los elementos que están en la grabación. Suenan bien e incluso muchas veces suenan mejor, bueno, no necesariamente mejor, pero sí diferentes y disfrutamos mucho eso; con otras canciones, puede resultar un poco distinto. Por ejemplo, con este disco, es la primera vez que utilizamos pistas de acompañamiento (backing tracks) para las canciones, porque algunas de ellas terminan sonando algo débiles sin los elementos de las pistas. Así que hacemos ambas cosas, supongo.
SM: Antes de tener un montón de cosas, solía correr las partes que queríamos a través de mi Roland SPDS, pero sólo podías mandarle dos instrumentos al mismo tiempo. Queremos que suene de muy alta fidelidad, así que para los backing tracks Ableton y programas de ese estilo son las únicas maneras de mandarle múltiples instrumentos a la persona encargada del sonido; de esta manera suena mejor y lleno, en vez de mandarle señales de audio por solamente dos canales. Es una decisión creativa que antepone la fidelidad al sonido.
Acerca de las portadas en sus discos que han lanzado a la fecha, ¿cuál creen que logra representar visualmente mejor la música del álbum?
SM: A mí me encanta esta, la de ‘Radiate Like This’. Todas me gustan mucho, pero soy fanática de esta, sobre todo porque amo las portadas que parecen obras de arte. Podrías hacerla un poster y pegarla en tu pared, además de que siento que tiene un estado de ánimo en sí misma; si le quitas el texto, se vuelve una foto hermosa. Me parece que representa bien la música del álbum.
J: Creo que todas las portadas son bastante representativas de la música que tienen, todo el arte es bastante indicativo de dónde estábamos y estamos ahora.
La siguiente pregunta es para Stella y, en pocas palabras, ¿cómo diablos le haces para tocar así? Si pudieras contarme un poco acerca de tus influencias, técnicas y/o perspectivas que has adquirido con el tiempo para llegar a tu estilo único de tocar la batería, sería genial.
SM: Vaya, eso es difícil de contestar… y muy amable de tu parte.
J: Eres una multinstrumentista, es verdaderamente increíble en todo lo que toca, si no te molesta que conteste [ríe].
Al contrario, platícame.
J: Es tan increíble en los instrumentos que toca, que su aproximación a la batería casi se siente como si estuviera tocando múltiples instrumentos, y no sólo tocando la batería. Eso es lo que yo siento.
SM: Mis bateristas favoritos, y espero poder encarnar algo de lo que hacen, son aquellos que son musicales. Personas que verdaderamente escuchan qué más está ocurriendo en una canción y piensan cómo pueden vincularse con esos ritmos, ideas, líneas de voz…, acentuar golpes rítmicos en una línea de voz y cosas así. Me gusta pegarme a una canción, básicamente. Creo que cuando era más joven, y definitivamente en los primeros días, trataba de ser más llamativa; en parte, porque estás muy emocionada por probar diferentes ideas y cosas que puedes hacer en la batería. Conforme ha pasado el tiempo, me he dado cuenta de que me emociona más servir una pieza musical y a los demás intérpretes. Así que estás apoyando, y todavía puedes tocar de una forma emocionante, pero no estás eclipsando ni aplastando a nadie.
Jenny, ahora va una para ti. Además de ser música, también eres una pintora. Quisiera preguntarte, ¿qué has encontrado en la pintura que la música no puede darte? En términos creativos, emocionales y/o intelectuales.
J: De hecho, nunca escucho música cuando estoy pintando, pero creo que mi enfoque es muy similar, porque soy una pintora abstracta. Es un proceso muy intuitivo, donde sólo me dejo llevar por lo que estoy sintiendo. Si alguna vez planeo pintar algo en específico, siempre resulta en algo diferente; es como el flujo de conciencia, sólo voy a dónde mi mente me lleve. Como de: “Ahora el azul, ahora el rojo, ahora haré esto aquí, ahora el verde…”. A la vez, me gusta ir muy despacio y detenerme un momento para contemplar, lo cual también hago en la música. A parte de que el enfoque es más o menos el mismo, no diría que la música está inspirando directamente mis pinturas.
Sin dejar de lado su último lanzamiento, me gustó mucho la letra de “Melting”. A mi parecer, presenta un momento de transición que se relaciona con el proceso de sanación personal que ocurre antes. ¿Cómo dirían que esta letra se relaciona con los temas de ‘Radiate Like This’?
J: Eso es interesante…
SM: Para mí, se siente más directo cuando escucho a alguien que no escribió las letras de las canciones en el álbum, y sólo está escuchando como observador. Sabiendo las experiencias de vida de las personas que sí escribieron las letras, se siente como una honestidad para alguien que está física o emocionalmente en ese momento. Es más representativo de un momento o situación particular, los detalles logran que puedan conectar más con esa canción que con otras en el álbum que son más abstractas y, por lo tanto, están abiertas a la interpretación de quien las escucha. Este sigue siendo el caso con varias de las canciones del disco, pero creo que son más directas.
J: Son más directas acerca de algo; cuando se escribieron estábamos pensando en algo en específico. Y claro que están abiertas a la interpretación de quien sea, pero había una intención delimitada por la persona que estaba escribiéndolas.
En general, el disco tiene una sensación de intimidad y calidez, creo que se relaciona un poco con lo que mencionaban acerca de las experiencias personales de vida.
SM: Sí, a pesar de que las canciones son acerca de situaciones desafiantes y transformadoras, siguen teniendo un sentido de positividad. Hay mucha más calidez, incluso en los desafíos. De alguna manera, siempre hay un final feliz, aunque las canciones presenten una lucha interna tienen un tipo de resolución.
J: Tiene menos ansiedad y más madurez.
¿Tienen planeado lanzar más música en el futuro?
J: Creo que queremos lanzar una o dos canciones para la primavera del año siguiente, hemos hablado acerca de eso. Pero en cuanto a otro álbum, apenas acabamos este y estamos comenzando a tourearlo, todavía nos queda otro año dando shows por este disco. Así que no creo que eso esté en nuestra mira por el momento, pero una canción o dos seguro.
Teniendo eso en cuenta, ¿qué energía creen que tengan estas siguientes canciones?
J: ¡Bailables!
SM: Estoy de acuerdo, también creo que por el hecho de haber estado separadas durante mucho de este proceso, estamos disfrutando el escribir pequeños pedazos de música y componer juntas de nuevo; incluso cuando estamos haciendo pruebas de sonido es emocionante tener experiencias presenciales. Después de pasar tanto tiempo separadas y escribiéndonos desde computadoras, estar en el mismo cuarto y descubrir cosas juntas es, para mí, lo más emocionante en este momento. Traer de vuelta ese proceso orgánico en donde las cuatro estamos en un cuarto juntas escribiendo cosas desde cero, y la gente puede llevárselas después y hacer lo que quieran. Eso es lo que más me emociona: estar juntas en una habitación tocando.
