Entrevista con SPRINTS

Fotos: Titouan Massé

El cuarteto de Dublín, Irlanda regresa este 2025 con su segundo álbum ‘All That Is Over’, un material lleno de energía y mensajes que reflejan sus pensamientos sobre los tiempos que el mundo vive hoy en día. Su manera de escribir y componer hace que sus oyentes se transporten a un universo caracterizado por una vibra vulnerable, acompañada de sonidos del post punk y garage punk.

Tras haberse embarcado en un tour, haciendo un total de más de 100 shows y para continuar con esta línea conceptual, SPRINTS siguió explorando estos sonidos en su nuevo disco. Más la incorporación del shoegaze y por supuesto, una pizca del grunge de los 90’s. Tuvimos la oportunidad de platicar con Karla Chubb y Sam McCann sobre la percepción de ellos mismos como una nueva banda, algunas canciones que conforman ‘All That Is Over’ y su lealtad para mantener su idea de la agrupación tal como la pensaron en un inicio.

‘All That Is Over’ es su segundo álbum. Comparado a su primera entrega, ¿cómo se sintieron trabajando en este material?

KC: Para ser honesta, fue bastante fácil trabajar en este. Todo se unió de una forma muy natural. Lo escribimos, principalmente, mientras estábamos de gira, y en los pocos días libres que teníamos en casa. Creo que la llegada de Zach nos dio mucha energía fresca, además de ánimo e inspiración. Definitivamente, queríamos marcar su incorporación con música nueva. Pero sí, nunca nos sentamos a decir como: “Tenemos que empezar el álbum ahora”. Simplemente, fue surgiendo muy fácilmente. Y luego, al final del año, dijimos: “Ok, tenemos muchas canciones aquí, probablemente deberíamos grabarlas”.

¿Alguna vez sintieron la presión de crear algo revolucionario? Considerando que ahora son una banda en pleno auge.

SM: No, siento que, si te vas por ese camino, probablemente termines volviéndote un poco loco, ¿sabes? Así que, simplemente, hacemos lo mejor que podemos, y ya. Al escuchar el disco, sentí que las emociones más presentes eran el enojo e incluso percibí este aire de confrontación. ¿Cuál es el concepto detrás de todo esto? KC: El álbum trata, creo, de dos temas principales. Uno es la rabia y la desilusión con el mundo actual, lo increíble que resulta ver que ocurren tantas cosas horribles en todas partes, mientras hay tantos multimillonarios y políticos empujando a la gente hacia los márgenes y culpando, por ejemplo, a qué persona usa qué baño como si eso fuera la raíz de todo el mal, cuando en realidad hay problemas mucho más grandes en juego. Pero, al mismo tiempo, creo que también es una celebración del arte, de lo importante que es, de la comunidad y la música. Básicamente, se trata de cómo acabamos de empezar a dedicarnos a la música a tiempo completo, y estamos viviendo esta especie de hermoso renacimiento artístico. Pero al mismo tiempo el mundo se está volviendo cada vez más oscuro, y lo difícil que es lidiar con eso, aunque también ofreciendo esperanza a través de la música y la comunidad.

Cuando escribían acerca de esto, ¿cómo se sintieron durante este proceso?

KC: Estábamos emocionados por llevar nuestro sonido en una nueva dirección, incorporar nuevos elementos, nuevos instrumentos, construir mundos y paisajes sonoros más elaborados y ser más intencionales con todo eso. Creo que esa era realmente la idea. Pero también, siento que el disco tiene esa sensación viva y orgánica, porque fue escrito mientras estábamos de gira. Refleja totalmente nuestros estados de ánimo, nuestras vidas y nuestras experiencias. Por eso creo que tiene altos y bajos tan marcados, porque así es estar de gira: Hay días en los que estás tranquilo, otros en los que estás lleno de rabia, y otros en los que rebosas energía. Y creo que el álbum es una buena representación de todo eso.

Todos estos temas que mencionaron en el álbum, ¿lo hicieron con un propósito político y social o fue más una manera de deshago?

KC: Es más bien lo segundo. Creo que tenemos que cantar sobre eso porque es nuestra vida, y siempre hemos escrito desde un punto de vista bastante autobiográfico, pero también reflexivo respecto al mundo. Pienso que es importante resaltar ciertos temas, pero no sé si consideraría las canciones en sí como una forma de activismo. Definitivamente usamos nuestra plataforma y el escenario como un espacio para compartir nuestros mensajes y ejercer activismo social, pero la música en sí son cosas que siento que necesitan ser escritas. Y muchas veces surgen de manera bastante subconsciente, simplemente, salen de uno, y nosotros confiamos en nuestro instinto para dejarlas fluir. Adentrándonos más en ‘All That Is Over’, ¿por qué decidieron iniciar con la canción “Abandon”?

SM: Fue más bien una decisión deliberada, como de: “Vamos por la opción menos obvia”, ¿sabes? No hagamos lo que la gente espera que hagamos, como sacar una canción muy ruidosa. Decidimos empezar el álbum con una canción que entra y sale lentamente, que se va infiltrando poco a poco. Hubo una reseña —no es que las tomemos demasiado en serio— que decía algo así como: “Todas las canciones de SPRINTS construyen y luego explotan”. Y creo que, conscientemente, pensamos en probar escribir una canción que no hiciera eso. Y sí, el resultado fue “Abandon”, que nos pareció genial. Luego la sigue otra especie de slow burner, que es “To the Bone”, y pensamos que sería una elección poco obvia, lo cual nos gustó.

Portada: ‘All That Is Over’ de SPRINTS

Lo que realmente me encantó de esta canción, en particular, fue la línea “I don’t grow old, I grow unrecognizable” ¿Qué los llevó a escribir eso?

KC: No sabría decirte exactamente, simplemente, salió así. Creo que toda la canción trata sobre volver a casa después de una gira y no sentir que perteneces realmente a tu propio hogar o ciudad. Siempre he tenido una ligera obsesión con la idea de envejecer dentro de la música, con mi edad dentro de la industria, y esa sensación de estar corriendo contra el reloj. Pero, al mismo tiempo, el año pasado trabajé mucho en mí misma —todos lo hicimos— y hemos crecido tanto que somos personas completamente nuevas, una banda completamente nueva. Así que esa línea apunta a eso: que envejecer no es lo importante. Lo importante es que haya gente que diga: “Wow, eres una persona completamente distinta”, pero en el buen sentido, porque significa que estamos creciendo y cambiando de una manera positiva.

Me intriga mucho que se sientan como una banda nueva. En este sentido, ¿este disco refleja exactamente la personalidad que tienen todos en este momento como grupo?

SM: Sí, definitivamente. Después de dos años de estar de gira constantemente, y de que esto se haya convertido en nuestra vida ahora, simplemente, no hay manera de seguir siendo la misma persona que eras antes, cuando trabajabas en una oficina o llevabas una rutina distinta. Y eso es, básicamente, de lo que trata este álbum: es una reflexión sobre nosotros mismos, sobre cómo hemos cambiado, pero también sobre el mundo y otras cosas que nos rodean.

Ahora que ya hablamos de “Abandon”, me gustaría que nos contaran sobre la canción “Better”, pues creo que bajaron mucho el ritmo, a comparación de cómo venían tocando, haciéndola la balada del disco, si podemos llamarla así.

SM: Era un viejo demo del primer álbum. Karla subió una grabación de su teléfono tocando “Better” en versión acústica, y me encantó el gancho. Pensé: “Wow, eso es súper pegajoso”. Y ella dijo algo como: “Sí, para el próximo álbum”, y yo le respondí que lo iba a recordar. Así que en el siguiente álbum lo volví a mencionar, se lo mostré a Zach y él dijo que era increíblemente pegajoso. No fue que pensáramos que necesitábamos una canción lenta, simplemente, volvió a aparecer en el proceso, y luego empezamos a tocarla en vivo, y entonces la grabamos. De hecho, casi no entra en el álbum, pero al final la dejamos porque también se necesita un respiro entre tantas canciones rápidas, ¿sabes? No es una canción de amor, no realmente. Es más bien nosotros siendo un poco shoegaze, dejándonos llevar por esa vibra.

A la par de notar que, justamente, se tomaron un respiro de los ritmos rápidos, también vi en dos o tres canciones que, a lo largo de ellas, hacen pausas para retomar la melodía con más intensidad. ¿De dónde viene esa idea de hacer esto?

SM: Creo que las canciones en las que hacemos eso son, por ejemplo, “Pieces”. Es una referencia directa a “Songs for the Dead” de Queens of the Stone Age. Esos cortes y pausas en la canción están inspirados en eso. No sabemos mucho sobre teoría musical —bueno, al menos yo no—, no podría leer una partitura ni nada por el estilo. Así que, sí, básicamente, lo robamos un poco de ahí. También se basa en la experiencia de tocar en vivo, porque como fan, sabes que amas cuando algo va construyendo y construyendo, y en lugar de un drop, hay un silencio, y luego todo explota de nuevo. Esa anticipación del momento en que vuelve a entrar el sonido es muy divertida, especialmente, en los mosh pits y ese tipo de cosas. Así que, definitivamente, tratamos de llevar esa sensación del directo al álbum, y de darle al público algo con lo que pueda conectar y engancharse.

Es interesante como admiten que no saben mucho de teoría musical. Me recordó a una frase que va: “the more you know, the less you feel”. Creo que el saber mucho sobre algo puede ocasionar que haya límites en la creatividad, por la necesidad de seguir reglas ya estructuradas. Asimismo, veo que toman en cuenta a su público, por lo que, ¿podríamos decir que sus presentaciones en vivo tienen un impacto directo en su manera de escribir música?

SM: Sí. Incluso si no lo piensas de manera consciente, definitivamente sucede de forma subconsciente.

KC: Algunas de estas canciones fueron literalmente escritas durante los soundchecks y luego tocadas esa misma noche en los shows. Hicimos 103 conciertos el año pasado, y todo este álbum se escribió en esos raros espacios que teníamos entre giras, así que todo, creo, está influenciado por la experiencia en vivo.

Creo que el hecho de que haya sucedido de esta manera, le da un toque más genuino. Para cerrar esta primera parte de la entrevista que concierne a su álbum, quería preguntarles si al momento de hacer el tracklist estaban apuntando a tener un balance en sonidos o, en su defecto, que nos cuenten que tipo de experiencia sónica querían que vivieran sus escuchas.

KC: Creo que Jack fue quien, básicamente, armó la lista de canciones. Ninguno de nosotros tenía notas al respecto. Cuando la armó, sabíamos cuál sería la primera canción y cuál la última, eso estaba completamente decidido, y sabíamos que no íbamos a cambiarlas. Definitivamente, queríamos llevar al oyente poco a poco, luego explotar y después calmar un poco el ritmo. Pero sí, Jack armó el tracklist, y nosotros nunca lo cuestionamos. Lo único que sí pensamos mucho es en la parte del vinilo, es decir, qué canción abre el lado A y cuál abre el lado B, y eso sí es muy intencional, en cuanto a dónde van esas canciones.

Pasemos a otro tema, que también mencionaron con anterioridad. Comentaron que habían hecho 103 shows, por lo que, cuando estar armando el setlist, ¿buscan encapsular toda su discografía o se inclinan más por la progresión sonora de sus canciones al momento de ser tocadas en vivo?

SM: Puede depender de muchas cosas. Ya sea que estés haciendo un set de 30 minutos o de una hora, si llevas cinco shows seguidos y quieres hacer algo diferente, etc. Siempre tratamos de llegar a un final climático. Así que sí, de alguna manera tienes que subir y luego bajar un poco, pero terminar en lo alto, supongo. Es un poco molesto porque tenemos que dejar de tocar canciones viejas, y los fans a veces nos piden tocar esas y uno tiene que responder que “No”, lo cual, es un buen problema, pero sigue siendo complicado. Hay muchos factores que influyen en qué canciones tocar y cómo organizar el set.

¿Creen que cuando están en el escenario, partes de ustedes salen que no son visibles en el estudio?

KC: Creo que cuando tocamos en vivo, simplemente, estamos pensando en pasarlo lo mejor posible y dar un gran show. Honestamente, se trata mucho más del público, ya que pienso muy poco en mí mismo o en la emoción que estoy transmitiendo. Lo único en lo que me concentro es en cómo hacer que la gente se emocione, se implique y disfrute del show, y en cómo dar el mejor rendimiento posible. Todo lo demás, queda en un segundo plano.

Me quedan dos preguntas más. La primera tiene que ver con la evolución de la industria musical. A ustedes como banda les tocó crecer en un mundo muy digitalizado y con una manera muy distinta de que su música se diera a conocer. Entonces, ¿cómo se sienten siendo una banda que sigue en emergencia?

KC: Es difícil. Odio todo el tema de las redes sociales. Estoy cansada de decidir qué TikToks debemos publicar. Por otro lado, es bueno y divertido formar parte de una ola de bandas. Se nota y hay mucha más diversidad en los festivales. También es muy divertido poder girar por el mundo y esas cosas. Pero sí, hay muchas dificultades y los costos están subiendo, así que, como dicen, son los mejores tiempos y también los peores tiempos.

Tomando en cuenta que a veces se enfrentan a situaciones como no saber qué publicar, ¿les es difícil mantenerse en el concepto de banda que se plantearon desde un inicio?

SM: No lo creo. A veces, una disquera o alguien puede sugerir que hagas cierto tipo de TikTok, y nosotros simplemente respondemos que eso no va con nosotros. Además, no nos sentiríamos cómodos haciéndolo, y si alguien de la banda no se siente cómodo con algo, simplemente no se hace, sin discusión. Así que sí, no es muy difícil ser fieles a nosotros mismos en este momento.

Me alegro de que haya empatía y unión en su equipo. Para terminar nuestra plática, les tengo una pregunta divertida. Si pudieran compartir el escenario con alguien, ¿con quién sería?

SM: Paul McCartney.

KC: Diría que Johnny Cash. Siempre está sonando en la van de la gira. De hecho, creo que ha influido mucho en este álbum. De ahí viene un poco de ese estilo vaquero. Es música perfecta para cantar todos juntos: guitarras geniales, muy buena vibra, y todos la conocen. Así que es genial para cantar en grupo. Y siempre que terminamos un show, normalmente suena “Folsom Prison” completa, y la escuchamos mientras manejamos de regreso a casa.

¿Algo más que les gustaría agregar?

Ambos: Llévennos a México, en verdad queremos regresar para allá.