Entrevista con Petey
Peter Martin, mejor conocido como Petey sobre el escenario (y frente a cámara), es un músico y comediante originario de Michigan, EE.UU. Haciendo sus primeras incursiones sonoras durante su etapa universitaria, el músico resonaría con los estandartes del pop punk noventero: riffs intensos, voces melódicas, letras hipersensibles y un absurdo natural para dar cohesión a todo lo anterior.
Influido por la atmósfera californiana y del Midwest, Martin lanzaba ‘Lean Into Life’ (2022), un primer LP bajo el cobijo de Terrible Records. El debut fue respaldado por la creciente personalidad del estadounidense en redes social, donde posteaba regularmente videos de humor absurdo y surreal. Ya en septiembre de 2023, y firmado por Capitol Records, Petey regresaría a estudio para entregarnos ‘USA’. Un segundo material discográfico que le consolida dentro del pop punk revival actual.
Con esto y mente, y aprovechando su visita a tierras nacionales en compañía de blink-182, nos sentamos a conversar con el artista quien nos habló de las diferencias en sus procesos creativos, el cuidado con el que aborda ambas facetas y su intención respecto al quehacer sonoro.
Empecemos por el elefante pop punk en la habitación. Llegas a México en compañía de una de las bandas más grandes de los últimos treinta años, quienes trascendieron las barreras del género y se instalaron en el núcleo cultural de más de una generación alrededor del globo. ¿Cómo lo vives desde el otro lado?
PM: blink es una de mis bandas favoritas desde siempre, el primer disco que compré fue uno de ellos. Nací en 1991, así que la etapa en la que empezó a interesarme la música se alineó perfectamente con esa ola de pop punk. Son una influencia enorme para mí, quizá la más grande. Así que esto, tocar con ellos en México, se siente muy loco.
Pareciera que estas explosiones artísticas se han vuelto una constante dentro de tu trayectoria. Pienso en la internet persona que has formado, de manera paralela, durante estos años de tu carrera musical. ¿Podrías ahondar un poco en esto?
PM: Bueno, todo empezó tras firmar con una disquera pequeña el día antes de que empezara el confinamiento. Aún cuando se trataba de un sello indie, me permitió no tener que trabajar durante el primer año de pandemia. Entre dedicarme casi exclusivamente a grabar el álbum me quedaba mucho tiempo libre, ahí empecé con TikTok. No sabía si me interesaba realmente o si lo estaba haciendo bien pero, de alguna manera, los videos tomaron vida propia y mi música creció silenciosamente bajo su superficie.
Creo que estamos acostumbrados a que las actividades de tal o cual creador se relacionen por el tono de la obra, pero contigo, con el Petey entre mis audífonos y el de los cortos en vertical, son completamente distintos. ¿Cómo coexisten?
PM: Ambas cosas suceden por separado, creo que la gente voltea a ver ambas y encuentran una conexión por sí mismos. Pensando en el tono de uno y otro diría que sí, lo que les relaciona es que vienen de mí, muy random [ríe].
¿Cómo constrastarías los procesos creativos respecto a tu sonoridad y la comedia que proyectas?
PM: Creo que los abordo de maneras drásticamente diferentes. Nunca paso más de quince minutos pensando un guión para los videos. Se tratan de pensamientos realmente superficiales, apenas pienso en ellos, como un torrente de ideas. Con la música, por otro lado, me tomo mucho más tiempo para cada parte del proceso. Al componer me detengo constantemente para profundizar algunos sentimientos, emociones negativas que pueden llegar a ser más difíciles de hablar.
Cuando pienso en el pop punk una de las características que saltan a la vista es esta dualidad entre letras y sonido. Puedes estar hablando de cada uno de los traumas de tu adolescencia mientras el público salta, grita y vive eufóricamente el momento. ¿Piensas en esta doble función al momento de aterrizar tu música?
PM: Bueno, hay muchos formatos en los que estas canciones pueden existir al final del día. Empezando por el pop alternativo y terminando en un montón de géneros diferentes. Al trabajar en ellas pensé que, si voy a hacer esto para ganarme la vida, viajando sobre carretera y dando presentaciones, quiero divertirme, disfrutarlo genuinamente. Hice un esfuerzo bastante sólido para que cada corte en ‘USA’ fuera un paso al frente al momento de interpretarlas. Cuando no lo sientes, resonar con el público se vuelve imposible.
Supongo que este resonar facilita la visibilización de ciertos temas con quienes te escuchan. Pensando en el acto en vivo, y en tu día a día toureando el ‘USA’, ¿qué elementos dirías que apoyan a esta expresividad?
PM: Que el trabajo sea divertido es realmente importante para mí, por eso hago todo lo posible para mantener viva esa sensación. Procuro pensar en qué tipo de experiencia quiero dejar en quienes ven mi música en vivo. Crecí yendo a muchos conciertos de pop-punk, con mosh pits y mares de personas cantando y gritando, ir a shows así me hacía muy feliz. Es lo que busco cuando voy a conciertos aún ahora, lo que quiero compartir. Me inclino hacia un acto más ligero y enérgico en lugar de una sensibilidad profunda y triste, aunque muchas de las letras sean realmente complejas.
Uno de los cortes que más llamó mi atención por su letra fue “Home Alone House”. Lleva las sensaciones del tracklist un paso más allá y se lee como una carta para el Peter de catorce años. ¿Podrías hablar un poco más de ella?
PM: Esa canción trata sobre pasar el rato con alguien y querer que sientan las situaciones como tú las sientes. Como ver una película, escuchar a cierto artista, explorar cierto lugar, etc. y vivir juntos cada una. “Home Alone House” expresa cómo no sucede eso exactamente, reconoce los caminos diferentes dentro y fuera de nosotros, ese no poder negar que vemos las cosas de manera diferente.
Cuando tratas con esta clase de temas a lo largo de tu discografía, ¿los construyes con la única intención de aclararte o te detienes a pensar en cómo llegarán a los oídos de otras personas? Oídos que, muy probablemente, necesitan escuchar esto de alguien más.
PM: Diría que un poco de ambos. Al escribir, sé que muchas de las líneas en los versos vienen de un lugar muy íntimo y específico. Espacios comunes a muchas otras personas, quienes atraviesan por los mismos pensamientos y emociones. Eso me ha sido demostrado una y otra vez, me hace ver que lo que he sentido es bastante universal. Personalmente, sólo trato de hacer música tan cercana a mí como sea posible, manteniéndola digerible para quienes me escuchan. Lucho por encontrar ese punto medio cada vez.
Habiendo recorrido tu pasado y presente musical me gustaría saber, ¿cómo imaginas el futuro cercano para el proyecto? ¿Tienes algún nuevo material en mente? ¿Mantendrás tus procesos como hasta ahora?
PM: Mi sonido será siempre una combinación de las bandas que me han influido, es en los espacios intermedios donde surge mi personalidad; así es como llegas a algo original. Pienso que, lo que sea que haga en un futuro, reflejará en gran medida lo que este escuchando en el momento. Afortunadamente soy bastante abierto en cuanto a los géneros que me emocionan, siento que puedo tomar muchas influencias diferentes y crear algo que vaya más allá al combinarlas. No estoy seguro de qué tratará mi próximo álbum, pero sé que lo abordaré de manera diferente a los anteriores.
Ha sido genial poder conversar contigo Peter. Para cerrar la entrevista, y dado que parece una muletilla común a lo largo de tu trabajo en estudio, me gustaría saber ¿cuándo fue la última vez que pediste perdón?
PM: Oh, definitivamente. En el medio Oeste, especialmente en Chicago, la gente se caracteriza por disculparse todo el tiempo. Caminando en la calle, detenidos en el tráfico, cualquier situación social da lugar a un “lo siento”. Es un sentimiento muy comunitario, de ahí es de donde vengo.
