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Entrevista con Moon Duo


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Foto: Jasmine Pasquill

Moon Duo, el proyecto formado por Ripley Johnson (guitarra y voz) y Sanae Yamada (teclados y voz), estará tocando en vivo en el Parque Bicentenario el próximo 5 de noviembre como parte del Festival Hipnosis. Con más de diez años de carrera, los originarios de San Francisco, California, nos presentarán un acto musical/instalación de luces que han llamado ‘The Lightship’, prometiendo una velada tanto visual como sonoramente inmersiva.

Fascinados por los misterios del cosmos y lo desconocido, la banda ha incursionado en la música psicodélica desde un enfoque minimalista y económico en cuanto a sus instrumentos y recursos, reivindicando la sencillez y la repetición como principales vías para su desarrollo creativo. De esta forma, encontramos un estilo que ha coqueteado con el rock psicodélico, la música disco y el space rock. Un ejemplo claro de que la evolución y la exploración sónica pueden llevarse a cabo dentro de limitaciones establecidas, Moon Duo encarna la ética de la psicodelia al continuamente aventurarse en nuevos horizontes y estéticas musicales.

Previo al festival, platicamos con Sanae sobre ‘The Lightship’, el cómo han desarrollado su enfoque minimalista, cuál es la principal característica de la música psicodélica y de qué manera el cosmos influye en su proceso creativo.

Hola Sanae, qué gusto platicar contigo. Mañana se estrenan las sesiones que salieron de sus presentaciones en Levitation, en 2012 y 2014. ¿Puedes contarme sobre estos shows y cómo se encontraban ustedes en ese momento?

SY: Una de las razones por la cual me encantan esas grabaciones es porque unen dos capítulos diferentes de la banda. En 2012 seguíamos con la primera alineación de la banda, que sólo éramos Ripley y yo con una caja de ritmos. Estábamos llegando al final de lo que sentíamos que podíamos hacer con esa formación. Entre ese momento y el show de 2014 conocimos a John Jeffrey, quien ha sido nuestro baterista desde 2013. Esa presentación de 2014 marca el comienzo del set en vivo con John, así que esas sesiones son una especie de puente entre dos momentos diferentes de la banda.

Al ver sus conciertos, parece que disfrutan de alargar secciones de sus canciones y adentrarse en jams que no solemos escuchar en sus grabaciones de estudio. ¿Qué papel juega la improvisación cuando están tocando en vivo?

SY: En nuestras presentaciones en vivo siempre tratamos de tener un equilibrio y una relación entre estructura e improvisación. Siempre hay algunas partes de las canciones en donde las letras, los versos y los coros se mantienen igual, pero nos gusta cruzar a un espacio donde las cosas se abren y son un poco más libres. Creo que siempre mantenemos una interacción entre la repetición y la improvisación, son como dos fuerzas que funcionan al mismo tiempo.


El próximo noviembre estarán visitando nuestra ciudad junto a otras bandas como The Mars Volta, Osees y Primus como parte de la quinta edición del Festival Hipnosis. ¿Podrías platicarme un poco acerca de lo que nos estarán presentando: ‘The Lightship’?

SY: ‘The Lightship’ fue algo en lo que trabajamos durante nuestra estancia en una residencia artística en 2019, antes de que saliera nuestro último álbum ‘Stars Are the Light’. Trabajamos con este artista visual francés que se llama Emmanuel Biard y queríamos hacer algo que fuera realmente diferente e inmersivo. El álbum tenía algo de inspiración de la música disco, así que nos fijamos en el mundo de la música electrónica moderna y cómo son los raves y las fiestas de baile ahora. Pensamos en tomar inspiración de todo eso e intentamos crear un elemento visual en el escenario, lo cual es un poco inusual para una banda de rock pero es algo que podrías ver en una fiesta de baile. Emmanuel construyó esta estructura en la que todos nos paramos, parece una nave espacial, hay todos estos proyectores funcionando y se convierte en un vector de luz y sonido. Es una especie de instalación.

Desde ‘Mazes’ (2011) hasta ‘Stars Are the Light’ (2019), ¿cuál dirías que ha sido el álbum que más trabajo les costó hacer en términos de materializar las ideas que tenían?

SY: Esa es una buena pregunta, creo que el álbum que más trabajo nos costó realizar fue ‘Shadow of the Sun’. Estábamos evolucionando creativamente y buscando un nuevo sonido, pero realmente no sabíamos cómo iba a ser. Así que ese álbum definitivamente fue el mayor reto, para mí.

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Durante sus más de diez años de carrera han explorado distintos estilos, pero siempre con el mismo enfoque minimalista; personalmente, creo que es genial porque puede llevarte a hacer mucho con muy poco. ¿Qué encontraron en este enfoque minimalista que los hizo querer seguirlo y desarrollarlo con su propia sensibilidad musical?

SY: Bueno, esa es una gran pregunta y estoy de acuerdo contigo sobre el minimalismo. Inicialmente, cuando empezamos, queríamos hacer una banda de sólo dos personas. Así que, de alguna forma, ya había una limitación minimalista incorporada en esa construcción. Queríamos trabajar dentro de esa limitación y ver qué podíamos hacer siendo dos personas. Hay bandas y música hechas por sólo dos personas que realmente amo y admiro, como Suicide, Silver Apples y muchas colaboraciones de jazz. La música se sintió realmente bien desde el principio, creo que el valor de que haya un elemento minimalista y ver lo que podíamos hacer dentro de ese marco siempre se quedó con nosotros. Tanto musicalmente como en términos de personas y elementos con los que trabajamos, suelo escoger sintetizadores y teclados específicos para observar qué puedo hacer con ellos y cuántas variaciones de texturas, movimientos y sonidos pueden salir, todo dentro de esa limitación establecida.

Muchas bandas asociadas con la psicodelia tienen una aproximación muy libre en sus composiciones. ¿Crees que esta podría ser la característica principal de la música psicodélica: la libertad de cambiar y explorar diferentes paisajes sonoros?

SY: Definitivamente. Para mí, lo que más me atrae del concepto de psicodelia es que no tiene límites, no es algo que pueda contenerse dentro de una sola definición. Puede significar diferentes cosas para diferentes personas, se trata de la necesidad manifestar externamente lo que te sucede internamente. Una experiencia, un sonido, un olor, un sabor o una visión pueden ser profundamente psicodélicas para una persona, mientras que para otra pueden sólo formar parte de la vida cotidiana. Musicalmente, es un género muy libre para trabajar porque realmente puedes evolucionar, no hay un único camino o guía definitiva, es un espacio muy dinámico.


Otro género que suele aparecer cuando se habla de Moon Duo es el space rock. Además de la música en sí, a lo largo de su discografía encontramos constantes referencias al espacio y al cosmos. ¿De qué manera el espacio influye en su proceso creativo?

SY: Qué buena pregunta. Creo que el atractivo del cosmos y todo lo que podemos ver en él, como las estrellas y los planetas que son visibles en el cielo, o la luna y el sol que se mueven en estos patrones y ciclos, han sido una fuente de fascinación y búsqueda de significados para la humanidad desde siempre. Para nosotros, es verdaderamente representativo del misterio de todo lo que no podemos ver y de las cosas que nunca podremos conocer o tocar de verdad, pero que fluyen a través de nuestras vidas. Es realmente resonante con la música porque la música es una fuerza tan misteriosa en el mundo, nadie puede decir realmente de dónde viene o cómo llegó a ser, simplemente fluye a través del mundo. Supongo que siento una conexión entre el misterio de esa fuerza y ​​el misterio del cosmos, de las estrellas y del espacio.

Resulta muy atractivo el concepto de lo desconocido, lo que dijiste me recordó a sus dos volúmenes de ‘Occult Architecture’. Quería preguntarte sobre de tu forma de tocar, ¿qué intentas transmitir cuando estás tocando?

SY: Tiendo a acercarme sin una idea muy firme en mi mente por adelantado de lo que quiero hacer. Escucho el groove, el feel y la energía de la canción que estamos haciendo, y después empiezo a buscar en mis sentidos hasta que encuentro algo que es como una chispa. Me digo: “Genial, esto funciona con esta canción”, y luego lo desarrollo para dejarlo crecer de manera orgánica, en términos de lo que se siente bien. Es un acercamiento intuitivo, en vez de controlador.

Por último, ¿puedes contarme un poco sobre su relación con los proyectos de su sello discográfico, Sacred Bones?

SY: Claro, hemos tocado con muchas de las bandas de la disquera a lo largo de los años. Psychic Ills y nosotros comenzamos casi al mismo tiempo, les tenemos mucho cariño. Caleb (Braaten) quien maneja Sacred Bones, lanzó nuestro primer EP en 2009, me parece. En ese entonces la disquera aún era muy joven y nosotros apenas comenzábamos. Le tengo mucho cariño a esta disquera y a todos los que han trabajado para construirla, realmente adoro a las bandas que lanzan su música a través de Sacred Bones. Respeto lo que hacen, tratan muy bien a los artistas y no puedo decir suficientes cosas buenas sobre ellos.


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