Entrevista con King Hannah

Un lugar seguro entre lo musical.

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La dupla formada por Hannah Merrick y Craig Whittle empezaría a tomar forma durante 2017, refugiándose en la fertilidad del underground inglés y tomando por asalto los sonidos de Liverpool con una mezcla de hard blues atravesado por la sensibilidad del soundscape. Tras el lanzamiento de su primer corta duración a finales de 2020 y habiendo cautivado las miradas de la prensa, el sello City Slang Records cobijaría la publicación de ‘I’m Not Sorry, I Was Just Being Me’ en febrero de este año, convirtiendo el primer larga duración de los europeos en un statement sonoro para el joven proyecto.

Así, y con la marejada de nuevas incursiones musicales por parte de King Hannah, nos dimos a la tarea de conversar con los integrantes sobre todo lo relacionado a la realización del nuevo material, pasando por sus dinámicas internas y atravesando los bemoles conceptuales entre track y track hasta el futuro de la banda.

¿Cómo se sienten tras el lanzamiento del álbum? ¿emocionados?

H: Emocionados, sí.

C: Quizá algo agobiados, lanzar un disco es algo bastante grande.

Vaya que lo es, aún más en tiempos como los que vivimos durante los últimos dos años. Sin embargo el proyecto pareció no perder ni un poco de impulso ¿cómo vivieron todo ello?

H: Terminamos el EP durante la primera ola de confinamiento a inicios de 2020 y, de manera muy personal, aún con todo lo que estaba pasando, ese respiro forzado jugó a nuestro favor. Tuvimos tiempo de pulir las canciones, firmamos con City Slang Records, nos ofrecieron hacer un álbum. El hecho de que ningún venue estuviera abierto hizo que nos concentráramos completamente en componer.

C: Tratamos de usar el tiempo lo mejor que pudimos.


Ahora, la realización de un LP es tan personal como el sentir de la música en sí, pero si tuviera que elegir un adjetivo en común diría “complejo” ¿cómo cambió su proceso creativo del primer EP hasta ‘I’m Not Sorry, I Was Just Being Me’?

C: No siento que algo haya cambiado en cuanto a nuestra dinámica. Creo que aprendimos mucho al grabar ‘Tell Me Your Mind and I'll Tell You Mine’, saber hacia dónde queremos llevar el sonido, quiénes queremos ser como banda. La intención fue lograr todas esas pequeñas cosas con las que no habíamos quedado completamente satisfechos antes.

Además de redimirse, en mayor o menor medida, ¿qué buscaban al momento de aterrizar el universo melódico del nuevo álbum?

C: Quizá apostar por lo minimalista, menos instrumentos, menos tracks. Creo que nuestra falta de seguridad durante el primer material se reflejaba poniendo demasiados sonidos donde bastaba con uno solo. Tratamos de confiar más en las partes que elegimos, darles espacio para llevar la saturación al límite, lograr un sonido más grande, más real, más crudo.

Siento que esta filosofía implícita permeó el material más allá de lo consciente. Los cortes dan una impresión aún más bluesera, más hard sound, sin dejar de lado lo atmosférico o los flashazos trip hop.

H: Es extraño, nos aproximamos a cada canción de manera distinta, ninguna suena como la anterior, al menos para mí. Con el álbum pasamos de tratarles individualmente a concebirles como un todo.

C: Las grabamos en el mismo cuarto con los mismos instrumentos, creo que buena parte de la cohesión viene de ahí.

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¿Creen que todos estos pequeños detalles contribuyeron a la consolidación de su sonido a través del disco?

H: En términos de sonido aún no siento que hayamos encontrado el nuestro. Quizá porque no lo hemos meditado lo suficiente, pero sí, el álbum es definitivamente un paso más en la dirección correcta.

C: Mayormente nos hemos dejado fluir con lo que escuchamos. Rescatar esos pequeños guiños sonoros como hacer que la batería suena como en esta canción o que la distorsión en las guitarras sea más como esta otra, sacar inspiración de la música que nos rodea.

¿Proyectos que les acompañaron durante la composición de ‘I’m Not Sorry, I Was Just Being Me’?

C: Escuchaba mucho a Mazzy Star y Bill Callahan, también PJ Harvey hacia el final de las sesiones.

Es curioso, al escuchar a King Hannah no puedo evitar pensar en bandas como The Kills o The Black Keys durante sus primeros discos, la sensación de dúo se mantiene ¿Cómo les funciona a ustedes ser solo dos?

H: Es genial, nos tenemos siempre el uno al otro.

C: Hacer música por tu cuenta puede llegar a sentirse algo desolado. Apoyarnos el uno al otro, motivarnos continuamente, realmente hace la diferencia. Soy el fan número uno de Hannah y ella el mío.

El lugar seguro en el que han convertido el proyecto parece contrastar con la tendencia de las letras a ser bastante ácidas ¿alguna historia que valga la pena contar?

H: No, no fue realmente intencional. Cuando tienes un deadline solo escribes hasta que salga algo que te guste lo suficiente como para seguir con ello. “Big Big Baby” inició con la línea de bajo, a partir de ahí la intención de crudeza y grunge nos guio hasta terminar con una canción de venganza.


Continuando con los puntos rojos del setlist, “Ants Crawling on an Apple Stork” destaca por ser la única canción donde tu voz, Craig, se mantiene al centro de la composición, siendo paralelamente el track más melancólico ¿Qué nos puedes decir de ella?

C: La escribí como un año antes de hacer el álbum mezclando partes de otras canciones, pero sentimos que encajaba muy bien con el resto del LP. Habla sobre ese periodo antes de la adolescencia donde todo parece abrumador, imágenes vívidas de mí cuando niño.

Realmente espero que tu presente se sienta mucho menos denso a comparación de esos momentos.

C: Sí, claro. Es fácil encontrar la tristeza cuando piensas en cómo fue tu infancia, sentir que llevarías ese sentimiento a cuestas siendo niño por siempre. Ahora todo es mejor.

Al mismo tiempo, siento que esa especie de nostalgia permeó tu dirección sobre cada uno de los videoclips, ¿cómo fue involucrarte de esa manera con el apartado extramusical?

H: Necesitábamos un video musical, estábamos en cuarentena y yo nunca había hecho algo así pero siempre había tenido la intención. Fue como, “Bien, contratemos al camarógrafo y veamos qué pasa”. Creo que los clips terminaron acompañando bastante bien el espíritu DIY que la música ya tenía. En cuanto a influencias tratamos de tirar hacia esos films independientes de bajo presupuesto y cine setentero estadounidense, muy al estilo de Terrence Malick o películas como Five Easy Pieces (1970) y Badlands (1973).

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¿Qué podremos ver en un futuro cercano para King Hannah?

H: Nos encantaría salir de tour como acto abridor.

C: Queremos dar tantos shows como sea posible, seguir mejorando. El álbum ya está afuera así que solo resta concentrarnos en que las presentaciones en vivo sean asombrosas.

¿Han contemplado alguna fecha en México?

C: No por ahora, pero amaríamos tocar allá. No estamos realmente dentro de la planeación, solo nos sueltan un “Oh, ahora tocan aquí” de vez en cuando [ríe]. Así que, con suerte, llegaremos pronto a México.

Tengan por seguro que los estaremos esperando con ansias. Ha sido un placer platicar con ustedes, ¿algo más que quieran agregar para Vibras?

H: Gracias a todos por su apoyo y por tanto amor. Disfruten el álbum.


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