Entrevista con Glasser

Foto: Yis Kid

Glasser, nombre artístico de Cameron Mesirow, ha dejado una huella significativa en la escena musical gracias a su enfoque distintivo y experimental. Nacida en Boston, la artista se ha destacado por su capacidad para fusionar géneros de manera única, creando una mezcla ecléctica de electrónica y pop con letras que se sumergen en la profundidad emocional. Glasser ha expresado su preferencia por la riqueza de color y la interpretación emocional sobre las palabras concretas. Como productora ha demostrado una habilidad notable para llevar sus ideas a la vida, utilizando texturas sonoras innovadoras y arreglos meticulosos. Su música se caracteriza por una fusión de elementos orgánicos y sintéticos, creando paisajes sonoros que invitan a la reflexión y al descubrimiento.  Este 2023, Mesirow nos presenta ‘Crux’, su tercer álbum de estudio publicado a través de One Little Independent Records. Este material traza un viaje de autodescubrimiento en el que Glasser aborda experiencias íntimas con una perspectiva madura y catártica. Las canciones abordan la muerte de un viejo amigo, sus reflexiones sobre la fragilidad de la vida y la delicadeza de las relaciones en tiempos de incertidumbre. Más que nada trata de la importancia de la creatividad y la escritura en la curación y, a nivel individual, de la mirada hacia el interior y el examen del propio dolor, la ansiedad y las inseguridades. Aprovechando el lanzamiento de su nuevo disco, platicamos con ella sobre su proceso creativo, sus inspiraciones y algunas historias detrás de sus canciones.

En ‘Crux’ exploras una mezcla de géneros y sonidos, desde la música tradicional y folk celta hasta la música del Este de Europa. ¿Cómo te ayudó esta mezcla a comunicar las emociones y experiencias personales que querías transmitir? 

CM: Es simplemente melódico y hermoso, sin seguir reglas específicas. Se trata más bien de algo que surge de la alegría de las personas y de la música en lugares rurales. En estas culturas agrícolas y de montaña, generalmente es solo entretenimiento para la gente; de hecho, así sucede en todo el mundo en lugares rurales, donde la gente utiliza la música para el entretenimiento. Y no se trata de reglas, sino simplemente de alegría y emoción. 

Hubo un largo descanso después de ‘Sextape’; ¿Cómo influyó esta pausa en la conceptualización y producción de este material? 

CM: Creo que fue bueno para mí. Creo que volví a un lugar muy vital e importante para los artistas cuando están creando, que es no estar pensando en lo que la gente piensa de ellos, sino simplemente en crear, eso es lo importante. La idea no es preguntar qué piensa todo el mundo acerca de tu trabajo. Finalmente tuve espacio y tiempo más allá de mi propio mundo al hacer música, y eso fue realmente importante y vital para el proceso. 

Leí que tomaste clases de canto balcánico. ¿Podrías explicarle a nuestros lectores en qué consiste el canto balcánico? 

CM: Estaba en una especie de secuela de mi último álbum, escuchando los discos del coro de la televisión estatal búlgara, un coro femenino muy hermoso. Me encontraba emocionada con este disco y me di cuenta de que no podía, como, cantar junto con él. Como realmente quería aprender a cantar, logré encontrar a alguien en Brooklyn que me enseñara canciones y me enseñó un sonido a la vez. Fue bastante difícil, no era muy buena en eso, pero hizo que mi cerebro pensara en diferentes escalas musicales y compases, eso fue extremadamente útil. Abrió mi mente de todos los años de música pop y punk que había estado escuchando, fue completamente diferente y me dio un nuevo contexto para pensar. 

“A Guide” es una pieza extremadamente personal. ¿Cómo te ayudó la música a procesar tus sentimientos y qué consejo le darías a otros artistas que quieren plasmar sus experiencias personales en su arte? 

CM: Creo que la respuesta tiene que ver con confiar en uno mismo y no sentir miedo sobre cuál será el resultado. “A Guide” fue escrita muy espontáneamente, justo después de la muerte de mi amigo. Quería crear algo sonoro que pudiera ser un adiós para él. Él acababa de fallecer, yo estaba desbordado de pura emoción, así que seguí mis emociones y así se hizo esa canción. Pero creo que, con demasiada frecuencia, los artistas se preocupan por lo que sucede al final de lo que están creando, en lugar de simplemente crear algo en absoluto. Así que creo que hacer cosas es simplemente importante y no estar atado a los resultados, solo porque prepares una gran comida no significa que debas ser un chef. Sabes, es lo mismo con la música, usar la música para expresar tus emociones es algo hermoso que debería estar al alcance de todos. Y si eso es lo que quieres hacer para expresarte, no pienses en cómo convertirlo en una carrera. Simplemente haz lo que necesitas hacer por tu salud emocional. 

En canciones como “Vine” y “Easy”, exploras un sonido pop con elementos de glitch. ¿Qué te inspiró para incorporar estos elementos en tu música y cómo crees que complementan la narrativa de tu álbum? 

CM: En “Vine”, el sonido está muy influenciado por no saber exactamente lo que estaba haciendo, pero también estaba, supongo, escuchando muchas cosas con efectos de fallos. Pero generalmente tengo imágenes en mi mente, suelo tener como un panel de inspiración o películas o algo así. Me inspiré en muchas películas, por ejemplo: ‘Orlando’ de Sally Potter fue un punto de referencia muy fuerte para mí, así que pensaría en una escena de esa película e intentaría crear algo que pareciera que pertenecía allí. Es genial no tener miedo de mirar el trabajo de otras personas y simplemente tomar inspiración. Por ejemplo: tengo este libro a mi lado que he estado mirando todo el tiempo que es de ikebana. Es como arreglos florales vanguardistas. Estoy mirando cosas como estas todo el tiempo y tomo inspiración de ellas. 

Portada: ‘Crux’ de Glasser

En varias canciones, como “Knave” y “All Lovers”, has mencionado que valoras más el color y la interpretación emocional que las palabras concretas. ¿Cómo equilibras esta preferencia al escribir tus letras y cómo aseguras que tu mensaje llegue al oyente? 

CM: Alcanzar a los oyentes es realmente difícil. Creo que, sinceramente, no priorizo mucho al oyente. Lo que hago es darme prioridad a mí misma y a mi expresión, y me pregunto: ¿me importa si la gente me entiende? Creo que la respuesta es más a menudo no que sí. Hay muchas frases a las que realmente me sentí apegada y no podía descifrar cómo hacer que funcionaran dentro de la música, y al final siempre termino renunciando a ellas. Lo que es más importante para mí es el sonido, puedo comunicar mucho mejor sin palabras y con mi voz. 

El tema del aislamiento es recurrente en el álbum, especialmente en canciones como “Mass Love”. ¿Este disco está relacionado de alguna manera con la pandemia? 

CM: ¡Oh, absolutamente! “Clipped” fue más concisa, ocurrió más tarde en la pandemia, pero “Mass Love” fue la primera canción que escribí durante el confinamiento por COVID. La empecé a escribir en un avión, volando de Europa a América, lista para el confinamiento de meses. Y eso fue, fue tan extraño. No sé si tenemos la capacidad aún de procesar lo que todos pasamos. No estoy segura de cómo fue donde estabas, pero en Nueva York, fue tan extraño, la idea de que el mundo entero estaba atravesando un cambio enorme. No creo, mentalmente, que sea algo tan grande de procesar; es casi como, quiero decir. Estoy segura de que hay otras cosas equivalentes en México, pero, por ejemplo, en los Estados Unidos, creo que la gente aún está tratando de entender lo que significa el 11 de septiembre para ellas. Son cosas tan grandes, tanta gente murió por COVID, al principio era tan difícil cuantificar tus sentimientos. De todos modos, siento que “Mass Love” se trataba de querer enviar, expresar amor al mundo y sentir que estaba en un avión. Vi lo hermoso, ya sabes, esa cosa increíble que solo puede suceder cuando estás en un avión, que es que ves sobre las nubes y piensas. Es como una pintura o algo así. Me sentí abrumada por la belleza y como amor por las personas que, básicamente, estaban sufriendo. Y eso fue la forma en que surgió esa canción. Pero también, el sonido de que fuera tan grande fue realmente importante porque se sentía como, quería romper la idea de que todos están adentro todo el tiempo. 

“Orphreys” trata sobre el tema del engaño en las relaciones. ¿Podrías hablar más sobre lo que te llevó a escribir esta canción y lo que significa personalmente para ti? CM: En realidad, es solo acerca de lujuria y, ¿cómo explicarlo? Como, no sé. Simplemente, sentirse irresistiblemente atraída por alguien, pero, la manera en la que la otra persona ejerce influencia sobre ti, la forma en que la interacción puede dejarte como una mancha. Personalmente, estaba sintiendo atracción por alguien y sintiendo que caminaba con esta mancha encima. 

Sé que eres originaria de Boston, ¿tu ciudad natal tiene alguna influencia en este álbum? 

CM: En cierto sentido, sí, porque mis padres son ambos músicos y estaban muy activos en Boston antes de que yo naciera y también después de mi nacimiento, durante los primeros años de mi vida. Pero no creo que en este momento tenga un impacto enorme en mí. Es simplemente algo que llevo conmigo por haber venido de un lugar y conocer a ciertas personas que estaban allí, quienes también son artistas.