Entrevista con Folk Bitch Trio

Foto: Bridgette Winten

Folk Bitch Trio estrenó, tras cinco años de espera, su primer material de larga duración titulado ‘Now Would Be A Good Time’. Un proyecto que deja en sus acordes un claro mensaje: el mejor momento llega cuando más lo necesitas. Desde sus voces hipnotizantes hasta el corazón de sus letras, este álbum es una conversación cercana, un pensamiento que se calla y la complicidad de una amistad pura.​

Desde sus primeros sencillos, este material prometía ser desafiante e íntimo y, en su versión final, lo es mucho más. Como bien define el trío australiano, se trata de colocar en un hilo la tradicionalidad del folk, nutriéndose de su mejor parte: la capacidad de contar historias. Se arriesgan a un enfrentamiento con la bondad de las baladas, con voces que se entrelazan en una sola, regalándonos un espacio en su círculo protector. Para conocer más de este lanzamiento, sobre su composición y sonido único, conversamos con Gracie Sinclair, Heide Peverelle y Jeanie Pilkington.​

Felicidades por su nueva música, es increíble lo que han hecho, desde los primeros sencillos hasta el álbum que ya podremos escuchar. Pensando en este primer material de larga duración, se sintió como una experiencia física; por ahí me gustaría comenzar. ¿Cómo se sienten preparando este disco? ¿Qué atraviesa su mente al pensar en su debut?

JP: Estamos muy emocionadas. Nos entusiasma que el mundo escuche este álbum. Ha pasado mucho tiempo, creemos que es momento de soltarlo y dejar que el público haga el resto. Hemos sido una banda por cinco años y estas canciones nacen de nuestro corazón; queremos que salgan al mundo.​

Claro, después de tanto, es un hito dejarlo ir. Algo que noto en su proyecto es la intimidad y vulnerabilidad que nutren sus canciones; se sienten como experiencias cercanas. Leí algo que se quedó en mis pensamientos, donde decían que no son simplemente una banda, sino que han fusionado sus corazones. ¿Esa conexión ha madurado o evolucionado en este disco?​ GS: Definitivamente, me parece que sí; es una pregunta muy hermosa. Diría que sí y añadiría que, durante todo el proceso, mientras compartíamos música y muchas experiencias a las que nos enfrentábamos, encontramos una forma diferente de cuidarnos y apoyarnos en la dificultad. Somos afortunadas de hacer eso; en otros casos, con artistas solistas o bandas en las que solo uno destaca, es difícil compartir la vida como lo hacemos.​

HP: Es una pregunta muy bella, concuerdo completamente. Hemos crecido más fuertes con los años; más aún, gracias a este álbum y a las experiencias que hemos vivido.​

Es muy especial ver una experiencia tan única en la música, algo que excede la colaboración y les ha permitido crear algo más profundo. Respecto a esto, un reflejo muy evidente es la forma en que sus voces se entrelazan mientras abrazan al resto de la música, dejando así una huella especial en el folk y, especialmente, en la balada. ¿Cómo se aproximan a la balada en un contexto moderno?​

JP: Creo que soy una escritora de baladas, siempre lo he sido, casi es una maldición, pero las amo. Las baladas son un gran vehículo para decir la verdad, algo esencial para nosotras como artistas; cuidamos la realidad, sin ocultar nuestra voz en las canciones, destacando mensajes astutos y, al mismo tiempo, haciendo buena música. Las tres voces de esta banda hacen del mensaje de las baladas algo diferente y hermoso. Tengo la posibilidad de escribir algo muy vulnerable mientras comparto la carga; es especial poder cantarlo con tus amigas, amo eso.​

Concuerdo completamente, también es una forma de acercarse a las personas más jóvenes. En mi experiencia, cada día es más sencillo abrirnos a hablar de nuestras emociones, compartiendo experiencias conocidas; lo mismo sucede en sus canciones: cuentan historias. Su acercamiento al folk abre un nuevo espacio para componer desde la experiencia.​

GS: Absolutamente. Estamos muy influenciadas por otros artistas del pasado, como Laurel Canyon, Joni Mitchell o Neil Young, compositores que contextualizan sus vidas a través del lirismo moderno, hasta la rabia de Courtney Barnett o de Amyl & The Sniffers, una banda heavy con letras que resuenan en nosotras y en nuestras vidas. Poder hacer eso es increíble; es la parte divertida de ser realmente creativas, intentarlo todo y crear desde lo que nos rodea.​

Me agrada que todo surja de una conexión honesta y sincera que, además, está dentro de la música. No es algo que se reduzca a componer, sino a cómo la perciben y cómo las une. ¿Creen que estas conexiones únicas impactan su visión al crear?

JP: Claro. En definitiva, tenemos en mente a otras dos personas al componer. Todo lo que escribimos, al menos en su mayoría, está pensado para el grupo, incluso si escribimos individualmente, la conexión entre nosotras está presente siempre. Sabemos que, aunque hablamos de experiencias propias, somos tan cercanas y compartimos tanto que es así. Somos mejores amigas, compartimos todo entre nosotras. Ese es el corazón de nuestras canciones: nuestra amistad.​

Portada:  ‘Now Would Be A Good Time’ de Folk Bitch Trio

Precisamente es lo que percibo: son canciones que compartiría con mis amigas más cercanas como una forma de iniciar una conversación. No creo que muchas canciones puedan hacer eso.​

GS: Gracias.

Es un placer. Ahora, mudándonos al lado musical, es interesante escuchar la dinámica entre sus voces, la guitarra principal y los arreglos. Han construido una profundidad melódica, algo que le da fondo. ¿Cómo hacen posible esa visión musical con tantas capas y texturas?

HP: Wow, creo que nadie nos había preguntado eso antes. Usualmente, cuando componemos y concluimos los arreglos, pensamos en un paisaje sónico. Tenemos una visión muy similar que, al menos para mí, me permite imaginarlo como algo visual. La magia puede venir de un momento en el estudio, pero la mayor parte del tiempo es algo que puedo percibir con todos los sentidos, es difícil de explicar. Muchas veces nuestras canciones se reducen a lo esencial; sin embargo, en el disco hay piezas que brillan por las guitarras y detalles que nuestro productor, Tom Healy, ayudó a elevar. Cosas que podrían parecer mundanas se convirtieron en capas de magia.​

GS: En la música tienes un producto final: lo que ves en la última toma; ahí aparecen los sonidos que menciona Heide. Aun así, en el esqueleto de las canciones, todas tomamos cosas del mismo espacio, combinaciones que nos resultan familiares. Todas amamos la música melódica, amamos una buena canción. Las melodías son esenciales para nosotras.​

Para mí es muy especial que cada canción tenga su propia esencia. Es perceptible el cambio de significado en la música misma, ya sea el solo de un violín o un sentimiento de furia. Pienso en “Cathode Ray”, que se atreve a cambiar la música folk tradicional añadiendo una vibra electrónica, incluso aludiendo a su título. ¿Cómo es que estos cambios enriquecen la historia de la canción desde la música y la letra?​

JP: “Cathode Ray” es gigante en ese sentido: tienes ese sonido menor de la guitarra que la hace más oscura a diferencia de otras canciones. En mi mente es grande y muy funk; es un gran ejemplo de cómo puede ser la vibra de la música, es un sentimiento que conecta con un sonido particular. El hecho de que puedas escuchar la canción e interpretarla casi igual a nuestra intención original es algo poderoso. Colocamos estos pequeños sonidos en la grabación para que formen exactamente lo que quieres decir; es algo increíble.​

Además, es algo difícil de lograr, que el mensaje sea tan claro a través de la música. En mi caso, fue algo especial, llegando a tener reacciones físicas como un escalofrío o una lágrima; al menos, me sucedió con “Moth Song”. ¿Podrían contarme más sobre esta canción? Creo que es muy especial en su variedad de emociones.​

GS: “Moth Song” tomó mucho tiempo, en realidad. Eran muchos fragmentos que me gustaban; inicialmente, me costó bastante darles sentido. Qué bueno que te gustó, gracias. Para mí, el significado surgió de estar conmigo misma, estando sola y algo triste, tratando de alcanzar y tocar cosas. Me di cuenta de que proyecté cosas en ciertas relaciones; confrontar eso es una experiencia solitaria. Eso se vierte en el coro, siendo un gran salto de fe; así se siente cuando lo cantamos.​

Además de ser una experiencia catártica, en el puente puedes percibir la liberación de energía, entrando a un espacio de calma en la confrontación. Es lindo poder interpretarla diferente dependiendo del momento en el que estés.​

GS: Claro, también hay muchas imágenes en “Moth Song”, hay muchas cosas que puedes tomar de ella. Me gusta la idea de catarsis y liberación del coro. Tiendo a escribir de forma muy visual; a veces no es entendible, me hace caer en cuenta de que escribí algo muy difícil de comprender. En el coro digo “open doors and out the pour / a thousand paper bag coloured / anti-gravity pieces of confetti fill my sky”, que habla de una experiencia propia en el tren, mismo que menciono en el primer verso; soy yo mirando desde fuera, soñando con un halo de polillas alrededor de la cabeza de alguien. En el coro imagino a las polillas subiendo al cielo, escapando de las puertas del tren: es liberación.​

Amo esa explicación. Hay una frase en la canción, “and opals fill my eyes”, que me recordaba la forma en que se nublan los ojos cuando se llenan de lágrimas. Se nota que lo visual está constantemente presente en su música.​

GS: Es una canción interesante porque, de hecho, la parte visual, como la explica Heide, no resuena conmigo del todo. No tengo nada de sinestesia en la música, por eso me interesa tanto utilizar las palabras correctas: ese es mi camino.​

Foto: Copper Taylor-Bogaars

Y se complementa lo musical con la letra, con esos dos puntos visuales diferentes. La variedad de contenido te da la oportunidad de acercarte a las canciones de formas distintas, como “I’ll Find A Way (To Carry It All)”, que retoma el sonido desde lo mínimo. ¿Por qué decidieron dejar esta pieza como algo natural y tan cercano a sus vocales?​​

JP: Esa canción es un cover de Ted Lucas; es muy importante en nuestras vidas, por eso es a capela. En vivo, fue una forma agradable de aliviarnos en el set y hacer que la gente callara. Es clave en lo que somos, así que decidimos honrarla en el álbum; es algo lindo. Si lo escuchan en vinilo, es donde acaba el lado A: le da apertura a una segunda parte del material con canciones más oscuras como “Cathode Ray” y “Foreign Bird”; causa una ruptura agradable y regresa al corazón del proyecto: las tres voces juntas. Al ver una canción como esta en el disco, les permite vernos desde fuera; es hermosa y refleja nuestro amor por Ted Lucas.​​

Es genial que hables de la ruptura del disco; es bueno poder parar para tomar aire. También aprecio que los artistas vean el disco como algo material, algo tangible, que te obliga a escuchar más de cerca. Todas estas canciones reflejan su visión de la música; están escritas para abrazarse y reconfortarse mutuamente. ¿Es algo que les sucede o que buscaban que otros apreciaran?​

HP: Es un sentimiento hermoso, nunca lo había pensado así, pero es verdad que este proyecto es una forma de ayudarnos entre nosotras. Hablamos mucho de cómo sería si cada una fuera solista, qué difícil sería viajar por el mundo o por la industria de la música por tu cuenta; es algo desolador y complejo. Somos afortunadas de apoyarnos como colaboradoras, impulsándonos a crear las mejores cosas que podamos y permitiéndonos parar cuando es necesario. Tenemos algo especial: somos un triángulo que se sostiene junto.​

Es algo que te da la valentía de ser sincera y de estar segura de todo lo que has logrado. Para terminar, ¿cuál es el mensaje que les gustaría enviar a quien se acerca a su proyecto?

GS: Creo que la alegría y la sinceridad, la amistad y la capacidad de amar con tu corazón en las manos. También, seguir siendo divertidos: no deben tomarse en serio todo el tiempo. Disfruten el tiempo con sus amigos, haciendo algo especial.