Entrevista con Fazerdaze
Rompernos antes de poder sanar.
Amelia Rahayu Murray saltaría a la fama durante 2017 con el lanzamiento de su primer material de larga duración, ‘Morningside’, publicado vía Flying Nun Records. El álbum reflejó el ritmo agigantado con el que la productora, compositora y multinstrumentista neozelandesa avanzaba tras su debut homónimo en 2014; la acogedora producción de home studio quedaba atrás para dar paso a un indie sound mucho más expresivo y efervescente.
Para sorpresa de nadie, fuimos testigos de las meteóricas cifras alcanzadas por “Lucky Girl” en más de una plataforma. El segundo corte del LP pasó a formar parte de la nueva ola de sonidos dentro de la periferia internacional, cargado de chispazos surf, guiños psych y una suerte de shoegaze pop atrapante.
Tras la avalancha de estímulos posterior al lanzamiento, Murray se apartaba del oído público para despejarse tanto creativa como personalmente. Así, y tras cinco años de hiatus musical, el proyecto volvería a dar de qué hablar con el lanzamiento de ‘Break!’ a finales de 2022.
El EP nos presentó una Fazerdaze completamente renovada tras una travesía de procesos personales, mudanzas, nuevas aproximaciones musicales y la buena nueva de un contrato discográfico con el sello section1, sin mencionar el papel de Simon Gooding como coproductor del material.
Con más de un apartado sensibles aún por esclarecer, nos dimos a la tarea de conversar con la artista sobre todo lo relacionado a los nuevos sonidos, el cambio de paradigmas internos y lo trascendente del devenir musical.
¿Cómo te sientes hoy Amelia? ¿qué tal te trata el mundo post pandemia?
AM: Llevo haciendo entrevistas todo el día y he hablado con más personas hoy que en los últimos meses [ríe]. Pero me siento genial, ¿qué tal tú?
A decir verdad, emocionado por conversar contigo sobre el EP; es uno de mis favoritos de todo 2022. ¿Cómo se siente volver discográficamente tras todo este tiempo?
AM: ¡Se siente bien!, llevaba mucho tiempo sin publicar nada y estoy realmente orgullosa de volver a lanzar música nueva. Fue un largo camino para estar devuelta, pero es genial. Justo ahora solo trato de procesar cada sentimiento, ya sabes, uno a uno. Supongo que el proceso detrás de ‘Break!’ estuvo lleno de contrastes, considerando la distancia desde tu material pasado y todo por lo que has atravesado durante los últimos años. ¿Cómo es distinta la Amelia del presente comparada con la que compuso el LP?
AM: Me siento como si fuera exactamente la misma persona, pero mucho más fuerte, más sabia y [ríe] más madura. Estoy en contacto conmigo de la manera correcta, con más autorrespeto. Cuando lancé ‘Morningside’ (2017) estaba muy insegura de mí misma, en cambio con ‘Break!’ me siento llena de mí, de mi propia energía; es un buen sentimiento.
Empecemos por lo básico, ¿qué ideas dirías que describen el sonido del reciente lanzamiento?
AM: Diría que este EP es mucho más grungy; afilado; lleno de distorsión, guitarras y huevos; con vibras noventeras.
Dando una vuelta por tu discografía, es clara la solidez musical que has extraído y alcanzado a partir de trabajos anteriores. Este material tiene la mordida de tus primeros cortes, la sensibilidad lírica de ‘Morningside’ y la introspección profunda de una nueva tú. El acercamiento paulatino parece reflejarse en el track homónimo del material; parte de un diálogo en tercera persona, casi acusativo, a una segunda persona con mucho más impulso “something's gotta change”. Tensión que termina por resolverse con un “yo” completamente entregado a la transición. ¿De dónde viene esta metanarrativa?
AM: Amo que hayas notado el cambio de voces durante la canción. Pero sí, en el verso inicial de “Break!” hablo sobre mí con un poco de humor, trato de dar voz a todas estas cosas que genuinamente me avergüenzan. En la tercera línea digo algo como “three years wasted now” (tres años desperdiciados ya), haciendo referencia a todo el tiempo que me tomó volver a sacar música. Proyectarlo vocalmente en una canción fue increíblemente liberador, como si hubiera llegado al punto en el que puedo hacer bromas al respecto y soltarlo al mundo. Creo que por fin aprendí a quitarme un poco de mi propio peso y, de alguna manera, hacerlo parte de la música. Creo que tiene mucho sentido, toda esa energía de catarsis vuelta riff es la que termina marcando el pulso al interior del tracklist. Sin embargo, una de las canciones destaca por apuntar en una dirección completamente diferente; “Thick of the Honey”. Se siente mucho más groovy, casi psych, como un guiño a Mazzy Star con un giro de camisas de franela y converse desgastados; grunge pop. ¿De dónde salió?
AM: ¡Buen oído! El proceso creativo fue completamente diferente a lo que hago usualmente. Escribí “Thick of the Honey” junto a una amiga mía, Bic Runga; crecí escuchando su música, así que lograr la colaboración fue asombroso. La admiro profundamente, fue una de las primeras personas que me inspiraron a iniciar dentro de la música. El corte salió de un jam con Bic en la batería y yo en la guitarra, diría que suena drásticamente diferente a los otros por su estilo instrumental. Terminamos trayendo todos estos nuevos colores y sabores al material.
Creo que es mi favorita dentro del EP, realza todas las demás texturas situándose justo en medio del resto de tracks. Volviendo al apartado conceptual, sabemos que los procesos personales que viviste terminaron por formar buena parte del sonido. La expresión es una gran manera de ver nuestros procesos desde otra perspectiva, para ti se trató de terminar con relaciones conflictivas. ¿Qué cambió en ti tras ‘Break!’? ¿Cómo te afectó el proceso creativo?
AM: Creo que ahora me respeto mucho más, soy menos tolerante con ciertas cosas, me pongo a mí primero para poder cuidar de otras personas, para dar más de mí a la música. Diría que aprendí a poner límites y amarme a mí misma [ríe], tan patético como suene. Deje salir de mi vida a todas aquellas personas que no querían esto para mí.
Por cómo lo describes, parece que el amor propio fue la piedra angular de este gran rompecabezas emocional. ¿Cómo afectó tu relación con la música?
AM: Creo que el amor propio me ha permitido ser creativa otra vez. Pienso en cómo me sentía antes, cuando no era suave conmigo; no podía crear, no me sentía capaz de cantar, no tenía la confianza para salir al escenario. Fueron algunas de las razones por las que no había lanzado nada; estaba ocupada siendo hiriente conmigo misma. Recuperar esa buena sensación interna me ha permitido estar mucho más presente, volver a dar shows, básicamente, volver a crear música.
Me alegra escuchar que estás de vuelta, aún más sabiendo que es desde un interior mucho más cálido. Ya con los pies —y audífonos— dentro de esta nueva etapa, ¿qué buscas lograr a través de tu música?
AM: Diría que dejé de buscar validación externa y empecé a buscarla internamente. Hallar esa parte del universo dentro de mí que puedo entregar al mundo para conectar con otras personas. Supongo que estoy menos concentrada en lo que puedo obtener de todo, y más en lo que puedo dar.
Creo que es un sentimiento tan noble como conflictivo; un propósito llega siempre junto a la posibilidad de fallar. Los motores sensibles que nos impulsan deben poder soportar las dudas que vayan surgiendo.
AM: Ha sido un proceso genuinamente extenso, al menos para mí. La música es un privilegio gigantesco, tener la oportunidad de crear es un gran honor. Creo que he llegado a sentir demasiada culpa alrededor de estas ideas ¿sabes? Sentir que no debería estar haciendo esto, como ¿realmente estoy aportando algo a alguien? Ahora intento confiar en esto; quizá hay una razón por la que me siento llena de intensidad al componer. Trato de fluir con ese sentimiento, evitar que la culpa y conmiseración me carcoman, entregar la mejor versión de mí. Con la suficiente suerte, si logro sanar el mundo, aunque sea un milímetro, sentiré que mi trabajo está hecho. Si esto que puedo entregar es en forma de música, estoy dispuesta a poner mi alma y corazón en ello.
Casi suena a que crees en el destino y das un doble mortal al frente en vez de un salto de fe.
AM: Creo que sí lo hago, ¿qué hay de ti?
No lo sé, pensar en un destino me hace sentir que no hay mucho que pueda hacer, tengo problemas con esa idea. Pero el que te plantees todo esto, y logres relacionarlo con lo sonoro, vale mucho. La música importa, todos quienes tenemos que ver con ella debemos tenerlo presente.
AM: Hacer música y vivir quizá humildemente [ríe] de ella, es una oportunidad como ninguna otra. Hay una infinidad de personas que darían lo que fuera por dedicar su tiempo a ello. Dar todo lo que pueda a la música es la única manera de sentirme bien con… este honor [ríe].
Tomando en cuenta las experiencias que te han formado hasta tener este nivel de intimidad y aprecio respecto al mundo artístico. ¿Tienes alguna idea que te impulse a seguir?
AM: Crecí escuchando la perspectiva masculina del rock, quizá por las bandas que solía escuchar y el hecho de que no buscaba artistas femeninas a conciencia, pero la radio estaba repleta de grupos de hombres. Lo que realmente quería escuchar era a una mujer, una mujer sensible, tocando rock. Creo que es a lo que aspiro con Fazerdaze; mantener la fuerza del género, pero insertando contornos del imaginario femenino, algo de este lado más suave y delicado. Retratar mi experiencia como mujer escribiendo, desde esa perspectiva, en un entorno dominado por hombres. Al menos así era mientras crecía, actualmente creo que buena parte de los sonidos más interesantes están siendo escritos por mujeres. Diría que trato de honrar a la niña que solía ser, haciendo la música que me hubiera gustado escuchar.
Estoy seguro de que puedes ser artista para más de una pequeña Fazerdaze allá afuera.
AM: ¡Gracias!, realmente espero eso.
Ha sido genial platicar contigo Amelia, ¿algo más que quieras agregar para nuestros lectores en Vibras?
AM: No realmente. Disfruté mucho platicar contigo, gracias por hacer preguntas geniales.
Gracias a ti por contestar respuestas geniales.
AM: Awww ¡Gracias a ti!
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