Entrevista con Automatic

Fotos: Erica Snyder

Izzy Glaudini, Halle Saxon y Lola Dompé son tres chicas cuyo proyecto musical alternativo, Automatic, se ha consolidado como uno de los más introspectivos de esta década. Con un sonido que combina post punk y minimal wave contemporáneo, la agrupación de Los Ángeles ha logrado posicionarse en la escena gracias a sus primeros dos álbumes: ‘Signal’ (2019) y ‘Excess’ (2022). Su música aborda temas relevantes y crudos, acompañados de una vibra hipnótica y minimalista que fusiona líneas de bajo insistentes, sintetizadores fríos y ritmos mecánicos.

Este año, la banda volvió a demostrar que su compromiso con poner sobre la mesa temas de gran relevancia sigue siendo parte fundamental de su personalidad artística. Tuvimos la oportunidad de charlar con Halle Saxon, quien nos compartió valiosos insights sobre su nuevo álbum ‘Is It Now?’, su dinámica como grupo y su perspectiva sobre el mundo actual.

Ustedes describieron este nuevo álbum como deviant pop que corta el brainrot. Me parece sumamente interesante. Cuéntanos más acerca de este.

HS: Creo que el término deviant pop es un poco una broma interna entre nosotras, pero básicamente se refiere a la idea de hacer música bailable y con gancho, casi pop, pero al mismo tiempo alternativa. Es decir, se desvía del pop convencional. Y eso de “cortar el brainrot” tiene que ver con la intención de generar una vibra que detenga a la gente en seco. Hoy en día es muy fácil caer en un estado casi automático de estar en el celular todo el tiempo, recibiendo pequeños golpes de dopamina de las redes sociales y demás. Siempre es bueno intentar crear algo que atraviese eso, que interrumpa ese piloto automático, que haga que alguien se detenga un momento y preste atención.

¿De dónde surge la idea de hablar sobre el estado actual del mundo?

HS: Queríamos hablar de eso, simplemente, porque sentimos que debíamos hacerlo. No creo que sea una obligación para todos los artistas comentar sobre política o sobre lo que pasa en el mundo, pero para nosotros era algo que ya habíamos hablado antes y que sentíamos muy importante. Es decir, expresar cómo nos sentimos respecto a lo que está ocurriendo. Valoramos mucho el hecho de tener una pequeña plataforma que nos permite comunicarnos con personas de muchas partes del mundo. Tenemos un público, aunque sea modesto, y podemos usar ese espacio para hablar de lo que está pasando, dejar constancia de ello y, con suerte, generar una interacción reflexiva. Así que sí, para nosotras era importante aprovechar esa oportunidad de esa manera.

¿Es una forma para ustedes de adentrarse en el activismo, o simplemente de, como lo dijiste, expresar lo que piensan?

HS: Sí, creo que para nosotros sí es una forma de activismo. Así es como lo veo. Creo que, en cierto modo, tener este tipo de conversaciones ya es una forma de hacerlo, porque implica no esconder la cabeza bajo la tierra. Esa es la manera en la que uso la música o me relaciono con el activismo.

¿Te consideras a ti misma —y, por supuesto, a la banda— activistas, o es la primera vez que intentan algo así?

HS: Siento que “activistas” es una palabra muy fuerte para describirnos. Sigo a muchos de ellos que hacen un trabajo increíblemente importante, difícil y emocionalmente exigente, y no creo que lleguemos a ese nivel. Pero sí siento que estamos involucrándonos en él. Me cuesta un poco encontrar las palabras ahora mismo —necesito más café—, pero sí participamos en protestas, boicoteamos industrias y corporaciones dañinas cuando podemos, y tratamos de estar políticamente activas. Participamos en el activismo, pero todavía no estoy lista para llamarnos activistas.

Lo entiendo totalmente. Volviendo al tema de su álbum, este es su tercer disco y siento que han ido siguiendo una especie de narrativa a lo largo de sus trabajos, hasta llegar a este como un punto de quiebre. ¿Cómo fue trabajar desde esa “ruptura”?

HS: Sí, totalmente. Yo también lo siento así. De hecho, iba a tocar un poco ese tema en la pregunta anterior. Siempre hemos hablado de cómo nos sentimos y de cómo el mundo nos afecta, y creo que ahí está la belleza del arte: el hecho de que este perdura y deja un registro de cómo las personas fueron afectadas por su tiempo es algo muy importante. Siento que nuestros discos —también por una cuestión de tiempo y contexto— funcionan así porque escribimos canciones específicamente para cada material. Entonces, cada uno termina siendo una especie de fotografía bastante clara de cómo nos sentíamos y cómo estábamos justo en ese momento.

‘Signal’ lo escribimos cuando éramos un poco más jóvenes e ingenuas, y hablábamos de temas más internos y cerrados sobre nosotras mismos. Esa sensación de aislamiento, creo, inevitablemente llevó al siguiente disco. Luego vino ‘Excess’, que trataba más sobre el exceso: comentar cómo el mundo está lleno de estos, cómo intentamos llenar vacíos internos sin límite, produciendo, desechando y explotando sin parar.

Y ahora se siente como un momento innegable de quiebre. Todo parece completamente desequilibrado, fuera de control. Hay muchísima violencia y explotación, y estamos profundamente metidos en las consecuencias de la manera en que los seres humanos han ido expandiéndose durante los últimos doscientos años —o incluso más—, bajo distintas formas de explotación. Siento que este disco refleja justamente ese momento en el que empezamos a enfrentar las consecuencias de todo lo que hemos estado ignorando hasta ahora.

El concepto de ‘Is It Now?’, sin duda, es muy potente porque describe muy bien los contextos actuales y sus problemas. Me imagino que debió haber sido difícil escribir sobre todo esto sin sentirse triste o atravesadas por emociones complejas. Por eso quería preguntarte si hubo algún desafío grande que hayan tenido que enfrentar durante el proceso.

HS: Siento que hacer arte sobre todo esto es, en realidad, lo que hace que la tristeza se alivie un poco. Vivir en este mundo es triste, doloroso y difícil, y poder crear, escribirlo y decir una cosa al respecto me hace sentir que al menos he hecho algo. Porque si no estuviera haciendo nada, me sentiría completamente desesperanzada y mal. Pero tener la oportunidad de trabajar con otras personas e inventar algo en lo que estamos hablando de todo esto es un alivio, y de alguna manera levanta esa tristeza. No sé si eso tiene sentido.

Tiene muchísimo sentido. ¿Planean continuar esta narrativa en futuros álbumes o están pensando en explorar otros temas más adelante?

HS: Es interesante, porque hay una canción que no entró en este disco. Normalmente siempre hay una que no logra entrar y luego pasa al siguiente. Y la razón por la que esta no encajó en este fue porque no se alineaba realmente con los temas. Tiene una temática muy diferente, así que me hace preguntarme cuál será la vibra del próximo álbum. No hay un plan general como tal, las cosas simplemente van surgiendo de forma natural con el paso del tiempo. Así que, honestamente, no lo sé. Tampoco puedo imaginar un cambio demasiado radical. Creo que siempre vamos a estar hablando de cómo nos sentimos.

Durante todo el tiempo que hemos sido una banda, siempre nos ha gustado mucho buscar formas de grabar de manera, principalmente, analógica y trabajar con personas a las que realmente respetamos y admiramos. Para este, trabajamos con Loren Humphrey, y fue un momento decisivo enorme, porque todas nuestras grabaciones anteriores las habíamos hecho con Ashworth aquí en Los Ángeles. Así que trabajar con una nueva productora fue una experiencia realmente épica. Además, la persona que se encargó del master también fue increíble. Soy muy mala con los nombres y ahora mismo no lo recuero, creo que se llama Heba, pero fue genial trabajar con ella también. Todo eso fue muy divertido y enriquecedor.

Siento que es una de esas cosas en las que hay un hilo común que siempre está presente, algo innato en el grupo, pero trabajar con gente nueva le da nueva vida y refleja el hecho de que estamos creciendo musicalmente y avanzando con el tiempo. No quiero decir “mejorando” como si los discos anteriores no fueran buenos, sino más bien ganando perspectiva y quizá más herramientas o habilidades. Por eso, las canciones tal vez son un poco más complejas ahora, y hay quizá más profundidad en la grabación, simplemente por cómo hemos ido evolucionando musicalmente. Su evolución sónica es evidente. Además, noté una narrativa visual particularmente especial. Su video para la canción “Black Box” me parece fascinante y creativo. ¿Cómo fue que aterrizaron la idea de hacerlo?

HS: La idea era crear algo que se sintiera muy instintivo y casi inconsciente, más que narrativo. Nos interesaba mucho trabajar con elementos naturales y orgánicos porque conectan con la sensación del disco en general. Es decir, algo crudo, vivo y un poco inquietante. La presencia de animales, como la ardilla, o de paisajes naturales tiene que ver con esa idea de observar el mundo desde afuera, casi como si fueras un testigo silencioso.

También, queríamos que hubiera una sensación ligeramente surreal, como si el video existiera en un espacio entre lo real y lo imaginado. No está pensado para explicarse de forma literal, más bien queríamos que funcionara como una serie de imágenes que provocan una reacción emocional, algo que se siente más de lo que se entiende. Creo que eso va muy de la mano con cómo hacemos música: no todo debe tener una explicación clara, a veces se trata simplemente de crear una atmósfera y dejar que la gente la interprete a su manera.

¿Fue complicado hacerlo?

HS: No del todo. Siento que quizá es nuestro video favorito hasta ahora. El novio de Izzy, Mike, y su socio creativo, Bryce, fueron quienes lo conceptualizaron, y creo que el estilo de animación es más bien de Bryce. Teníamos algunas opciones e ideas sobre la dirección que queríamos tomar, pero decidimos trabajar con ellos porque nos emocionaba hacer algo realmente fuera de lo común, creativo y un poco excéntrico. Además, dieron exactamente en el clavo con nuestra visión y con los tipos de ideas y temas que estamos tratando de abordar, básicamente con la narrativa, la naturaleza, la explotación y todo eso.

Nos gustó tener algo que fuera diferente, con una estética un poco distinta a lo que solemos ver todo el tiempo, y fue muy divertido tomar las fotos que usaron y trabajar con ellos en la historia. Todo ese proceso fue realmente divertido.

Verdaderamente, representa muy bien de qué trata el álbum. Es visualmente atractivo y presentan una forma creativa y limpia de abordar problemas importantes del mundo. También tuve la oportunidad de ver sus otros videos musicales, y noté que algunos siguen una especie de bucle, es decir, hacen la misma acción una y otra vez. Me preguntaba por qué eligieron ese enfoque. Creo que se siente muy artístico, incluso como arte conceptual. ¿Cuál es la idea o el significado detrás de esa repetición?

HS: Quizá sea una respuesta un poco decepcionante porque en realidad no hay un concepto muy profundo detrás de eso. Tal vez podría replantearlo así en mi cabeza, pero la idea es que simplemente funcionara como un visualizador, una imagen que se repite. El presupuesto para los videos es muy bajo y tenemos que crear cierta cantidad de contenido, pero hay un límite muy claro de dinero. Entonces, las imágenes se repiten en bucle para “llenar” el video, para completar ese visualizador que ves en Spotify o en otras plataformas.

Pero sí, tristemente, todo se reduce al dinero. Aunque también creo que eso en sí mismo es algo interesante para pensar, cómo todo eso contribuye al arte. Porque en los años 90’s, por ejemplo, cuando había muchísimo dinero circulando en la industria musical, existían esos videos musicales que quizá se emitían un par de veces en MTV y luego desaparecían en el aire. Años después, con Internet y YouTube, podíamos volver a encontrarlos, recordarlos y maravillarnos con sus conceptos y todo eso.

Hoy en día hay muchísimo contenido y artistas, y no hay mucho presupuesto en la industria musical, o al menos no está en manos de los artistas y creativos que hacen los videos. Entonces, tienes que tomar ciertas decisiones y compromisos con lo que tienes. Es como: puedes hacer un video largo sin presupuesto, o puedes hacer muchos videos pequeños, y eso fue lo que intentamos para este álbum. Tuvimos un solo día de rodaje en el que grabamos muchos visualizadores distintos para varias canciones.

Fue casi como un experimento con el contenido de formato corto, con la capacidad de atención de la gente y con las distintas plataformas en las que se consume contenido. O sea, los treinta segundos mientras bajas en Instagram, las imágenes de fondo en Spotify, y pensar cómo podíamos aprovechar eso. Poner algo ahí que nos gustara visualmente, que representara lo que queremos decir, pero usando los recursos que realmente tenemos.

Todo lo que comentas conecta bastante con mi siguiente pregunta. En la canción “Mercury” hay una línea que dice: “now it’s time to come outside / don’t sleep your life away”. Cuando la leí por primera vez pensé en que estaban animando a su audiencia a salir, a vivir, en lugar de quedarse atrapados en la dinámica de redes sociales. Así que me preguntaba si esa interpretación es correcta o si querían decir algo distinto.

HS: Sí, me encanta que ese haya sido el mensaje que entendiste. Definitivamente, es parte de nuestro sistema de creencias. Siento que cuando estás en internet, todo parece extremadamente abrumador, grande, enorme, inmediato y urgente a diferencia de respirar aire fresco y hablar con caras humanas en lugar de con bots. A medida que, como cultura avanzamos con la tecnología, también nos vamos aislando cada vez más unos de otros. Creo que tenemos que estar muy atentos a eso y hacer un esfuerzo cada vez más consciente por conectar en la vida real, no solo de forma virtual, porque necesitamos esa perspectiva.

Necesitamos interactuar con otras personas, y tenemos que encontrar ese equilibrio a medida que avanzamos, porque todo en la forma en que estamos progresando ahora mismo fomenta básicamente el aislamiento. Nos empuja a estar solos. Nos anima a comprar cosas muy rápido para resolver cualquier problema que creemos tener, cuando quizá ese problema también podría solucionarse gratis saliendo a la calle, bebiendo agua o hablando con alguien. Tal vez no necesitas hacer eso que te da un golpe rápido de dopamina, sino algo más a largo plazo.

Es curioso porque, irónicamente, en redes sociales hay esta tendencia graciosa donde un tipo dice que está “raw dogging life” durante una hora, y se graba a sí mismo simplemente sentado. Y es muy gracioso porque para nosotras y para las generaciones más jóvenes es como: “sí, estamos constantemente inundados por Internet”, y es debilitante, pero no te das cuenta de que lo es porque ha sido así durante tanto tiempo.  Así que, sí, literalmente es eso: salir afuera. Es algo genial. Y creo que mucha gente ya lo sabe, por eso existe esa frase de “tocar pasto”. De verdad tenemos que trabajar juntos en eso. Tenemos que seguir tocando el pasto. 

Portada: ‘Is It Now?’ de Automatic

Iba a mencionar lo de “tocar pasto”. Creo que es un consejo que todo el mundo te da últimamente cuando te sientes abrumado por todo. Y justamente te sientes así por ver estar mucho tiempo en el mundo virtual.

HS: Es un consejo tan bueno. Me alegra mucho que se haya vuelto algo viral, porque de verdad es muy cierto. Y no sé, a mí me genera otras reflexiones. Yo vivo en Los Ángeles, y gran parte de la ciudad está completamente pavimentada. Muchas veces tienes que ir, específicamente, a un parque para poder “tocar pasto”. O sea, hay un poquito de espacio afuera, pero todo el mundo saca a sus perros y están orinando ahí, así que tienes que hacer un esfuerzo real para ir a donde el verdadero pasto está. Aunque también es bastante difícil para algunas personas. No es como si los árboles y las áreas verdes fueran accesibles para todo el mundo en todas partes. Y eso es otra cosa que resulta un poco dura. Siento que ahí ya hay más capas en el asunto.

Me gustaría tocar otro tema, que es el de las giras. Tengo entendido que tocarán con The Last Dinner Party. En general, ¿cómo viven estos viajes dentro de la banda y con los demás?

HS: Estamos muy emocionadas por eso. Salir de gira con otras bandas y verlas en vivo es muy inspirador. Ves los distintos estilos de cada uno, y vas tomando pequeñas cosas que te inspiran.

Acompañado de subir al escenario a tocar, también está la cuestión de decidir cómo vestirse para el show. De hecho, hace poco publicaron un video en Instagram donde estaban comprando ropa de segunda mano, y mencionaron algo sobre incorporarla al escenario. Yo siempre veo la moda como una postura, así que me preguntaba si ustedes también a la moda como una forma de identidad.

HS: Sí, totalmente. Yo soy, personalmente, la menos “fashionista” con mi forma de vestir en el escenario. No es que sea la que menos lo piense, pero las otras chicas son un poco más aventureras con su estilo.

Creo que sí es una postura. Personalmente, he estado pensando mucho en reutilizar prendas y en cómo parece que siempre se ve a los artistas usando algo diferente cada vez que aparecen en público. Hay como una presión implícita de tener un look distinto todo el tiempo. Y cuando repites outfits, especialmente siendo mujer o una persona que se identifica como femenina, sientes que quizá estás siendo “menos” de alguna manera, como que vales menos, porque existe esta expectativa de usar algo nuevo cada vez.

Pero estoy tratando de luchar contra eso en mi cabeza y de repetir ropa, y también de fomentar esa idea. Supongo que no ha sido algo completamente consciente, pero es algo en lo que pienso y que trabajo mucho, sobre todo cuando estamos de gira.

Creo que es una práctica increíble porque también es una forma de posicionarte en contra de cambiar de estilo o ropa todo el tiempo.

HS: Sí, exactamente. Además, es una carga injusta que se impone especialmente a las personas que se identifican como mujeres.

Es una acción muy poderosa, ¿sabes? Algo tan simple como repetir un outfit también es una forma de mensaje. Siempre me gusta terminar las entrevistas con una pregunta divertida. Así que, para ti: si pudieras escuchar un solo álbum por el resto de tu vida, ¿cuál sería y por qué?

HS: Bueno, el primero que se me viene a la mente sería The Velvet Underground & Nico. Siento que es como una respuesta muy típica, pero lo he escuchado prácticamente toda mi vida y siento que nunca me cansaría de él. Ojalá fuera una respuesta más interesante, pero es simplemente mi disco favorito de todos los tiempos.