Entrevista con Mother Mother

Formar espejismos como inspiración musical.

Mother Mother es una banda canadiense de alt-rock que nos ha dado, desde sus orígenes en 2005, una muestra de sonidos auténticos, orgánicos y eléctricos, todo al mismo tiempo, con los cuales expresan una identidad única como grupo. Han dejado de preocuparse por seguir normas o caminos establecidos y se enfocan constantemente en mostrarse como son realmente.

Esta vez platicamos con Ryan Guldemond, vocalista de la banda, quien nos contó sobre sus inspiraciones y los procesos que han transitado para llevar a Mother Mother a donde se encuentra ahora, sumado a su reciente éxito en las generaciones más jóvenes a través de las redes sociales.

¡Qué tal, Ryan! Quisiera comenzar hablando sobre el desarrollo del más reciente álbum de la banda, ‘Inside’. Cuéntame, ¿cómo fue el proceso de grabación? ¿Cuáles fueron las metas que se plantearon para el lanzamiento de este material?

RG: ‘Inside’ ha sido un álbum pandémico, lo escribimos y grabamos en el 2020 y quise escribir acerca de esa experiencia interior. Y todo esto significa navegar dentro de nosotros, trabajar en nosotros y tratar de superarnos para generar una mejor versión de quienes somos; este fue el tema que encontró su camino hacia nuestra música y con lo que estuvimos trabajando en ese tiempo. Fue un álbum un poco extraño de hacer porque teníamos que estar físicamente desconectados y, durante todo el proceso de grabación, nunca nos encontramos en la misma habitación, lo que fue muy complicado, pero a la vez le dio mucho significado y estamos muy orgullosos de ello.

Además del hecho de trabajar virtualmente el álbum, ¿cuál fue la parte más difícil de este proceso?

RG: Escribir sobre algo tan personal, porque tienes que hacer las cosas para poder escribir sobre ello. Me refiero a que uno no puede escribir una canción acerca de ir y luchar con sus dragones internos a menos que de verdad hagas esa lucha.

Claro, y siendo algo tan personal debes estar preparado para mostrarlo al mundo. ¿Cuál fue la inspiración principal para los sonidos de ‘Inside’ y, en general, para la banda?

RG: Nos gusta la combinación entre los sonidos tradicionales y modernos. Tener por un lado guitarras acústicas, voces cantando juntas o sección de cuerdas; todos estos sonidos muy orgánicos. Por otro lado, nos gusta trabajar con sintetizadores y todo lo electrónico: sonidos futuristas. Se trata de un espejismo entre lo antiguo y lo nuevo, siempre tratamos de establecer un equilibrio entre los sonidos del pasado y del futuro.

¡Es súper interesante hacer esos contrastes! Si pudieras describir en un par de palabras el ritmo de Mother Mother, ¿cuáles escogerías?

RG: Creo que elegiría paradoja. Sabes, es una gran palabra, de verdad nos gustan las paradojas entre la tristeza y la felicidad, la oscuridad y la luz, lo gracioso y lo perturbador… Hacemos un buen trabajo cuando ponemos estos conceptos sobre la mesa. Estas cosas que típicamente son opuestas pero que al juntarlas y llevarlas por el camino de la música son muy cautivadoras.

Recuerdo haber visto una película sobre unos chicos que forman una banda de música y definen su concepto como "happy-sad", en donde se refieren a que necesitamos ser felices con nuestra tristeza de algún modo, y mostrarla como lo que es en lugar de tratar de evitarla.

RG: Claro, y es muy cierto. Me parece, por ejemplo, que para poder vivir tenemos que pensar en la muerte; este es el mejor recordatorio que tenemos sobre cómo apreciar la vida, y esa es una paradoja… para vivir necesitas pensar en morir.

Desde luego, es algo que irremediablemente pasará y debemos tenerlo en mente. Ahora, hablemos sobre la experiencia que tuvieron con las redes sociales, un boom en su carrera: Han trabajado en este proyecto musical desde 2005 y recientemente, en 2019, algunas de sus canciones se hicieron virales en Tik Tok. Esto les dio un nuevo público y una nueva forma de promocionar su música. ¿Cómo es que todo esto se refleja como una evolución para la banda? ¿Qué fue lo que cambió, si es que algo lo hizo, en Mother Mother en términos de hacer música como resultado de este big bang?

RG: Exacto, lo que pasó fue que jóvenes alrededor del mundo descubrieron algunas de nuestras antiguas canciones, les gustaron y las celebraron. Creo que antes éramos más ‘raros’ y tomábamos más riesgos en términos de escribir música, así que este nuevo éxito en las redes fue una especie de permiso para ser ‘raros’, para ser quienes realmente somos. Eso es probablemente lo mejor que pudimos recibir de toda esta situación. Más allá de cualquier cosa material, la mayor fuente de riqueza y éxito es habernos recordado que para poder hacer buena música es necesario ser nosotros mismos, incluso si eso significa ser diferentes o raros.

Y toda esta buena aceptación que han tenido les dio esa luz para trazar y seguir su propio camino en lugar de solo seguir lo ya establecido.

RG: Y justamente eso lo vemos con nuestros nuevos amigos que conocimos por redes sociales. Las generaciones más jóvenes son muy valientes en términos de ser ellos mismos, y no tienen miedo de mostrarse como son, a pesar de que en algunos casos la sociedad pueda no verlo como lo ‘normal’. Hallamos mucha inspiración en todo eso, nos permite ser más valientes con quien somos como personas, pero también con nuestra música.

Es una gran forma de acercarse a sus fans y generar vínculos a partir de ello. También he visto algunos videos de sus shows en vivo y me parece increíble toda la energía y esfuerzo que dejan en el escenario, es algo que de verdad cautiva a su público. Próximamente estarán presentándose en el festival Corona Capital, en Guadalajara, ¿cuáles son sus expectativas para ese show? ¿Están emocionados?

RG: Estamos realmente emocionados por ese momento. Nuestro fanbase en México significa mucho para nosotros, aunque aún no hayamos tenido un show en vivo allá. Son personas que tienen mucha fuerza positiva online, son demasiado activos y se nota todo el cariño que nos tienen a través de comentarios con muchos emojis, mayúsculas… ¡mucho entusiasmo de su parte! Poder tener finalmente la oportunidad de dar este concierto es muy relevante para nosotros y no nos lo tomamos a la ligera; queremos dar el mejor show de nuestra carrera para mostrarles el cariño y la importancia que merecen.

Será increíble. Además, un festival es una gran oportunidad para ser descubierto por nuevas personas. ¿Qué canciones son tus favoritas para tocar en los shows?

RG: Me gusta mucho el inicio y el final: “Verbatim” y “Hayloft II”, son muy emocionantes y llenan a todos de energía y electricidad.

Leí una historia sobre cómo obtuviste inspiración para escribir mientras estabas en un viaje por Costa Rica, entonces ¿tendríamos la oportunidad de, en el futuro, escuchar algo inspirado en un viaje por México?

RG: ¡Desde luego! Es muy importante ser creativo todos los días, y cuando me encuentro en un lugar nuevo, siento toda la energía del entorno, con sus paisajes y sonidos, que me hacen incorporarlo a mi trabajo. Creo que tiene mucho sentido, pues a veces nos acostumbramos muy rápido a todo, pero estando de viaje hay muchas fuentes nuevas de inspiración que sería muy extraño no aprovecharlas para crear nuestro arte. Trato de hacerlo lo más que puedo: salir a pasear, tomar fotos, grabar sonidos… y toda esa energía llevarla a mi guitarra y al estudio, es demasiado lindo como para dejarlo pasar.

¿Cómo ha sido la conexión con tu hermana Molly, que también es parte de la Mother Mother, en todo este proyecto?

RG: Es muy lindo y muy difícil, todo al mismo tiempo. Ambos tenemos personalidades muy fuertes y muy diferentes, lo que crea mucha pasión en el trabajo. Somos mejores amigos, pero al mismo tiempo somos familia y no tenemos miedo de pelear, pero siempre que lo hacemos es desde el amor que nos une y eso hace que las peleas valgan la pena.

Y los dos están persiguiendo el mismo sueño y visión como banda.

RG: Así es, y algunas veces tenemos ideas muy diferentes para alcanzar ese sueño, pero siempre colaboramos para llegar a acuerdos y puntos medios. No solo con Molly, sino con todos en la banda, tenemos que trabajar juntos para llegar a donde queremos y eso incluye no tener la razón todo el tiempo y dejar a un lado las visiones particulares.

Claro, significa dejar un poco las perspectivas personales para poder lograr una perspectiva como grupo.

RG: ¡Exacto! Si trabajamos como un grupo tenemos que cuestionarnos qué es lo mejor para el grupo y no qué es lo mejor para mí. Entonces, lo que es mejor para Mother Mohter no siempre será lo que es mejor para Ryan.

Todo esto aplica en cualquier trabajo en conjunto. ¡Muchas gracias, Ryan! Fue increíble platicar contigo hoy, mucho éxito y los esperamos con muchas ganas en México.

RG: Gracias, aprecio mucho la conversación y tus preguntas. No podemos esperar más para tocar por allá, ¡esperamos verlos a todos en el show!